月巴氏

月巴的她張開了Heart

2012-03-01T17:57:00.000+08:00

識我的人都知道我是條粗碌硬漢子，好多年冇喊過，但最近竟因為一首歌，而有了股近乎淚崩的衝動。唱的人是個比我更粗碌的女子。

她攪動了我那操控眼淚的總掣
純粹個人喜好問題，對於騷靈、R&B之類的音樂和歌手我是從來免疫的。
像Amy Winehouse，我真的沒甚麼感覺，也沒有因為她的猝死而去特登買她的碟(當然得悉她死訊時還是會詫異和悸動的)。
Amy Winehouse生前最偉大的一個貢獻，是開拓了Blue-eyed soul這條血路，讓一眾白人騷靈歌手受到關注。同時，也有不少人在混水摸魚。
2008年發表debut album的Adele，便一度被形容為Amy Winehouse狂潮下的產物。即使封套上那個高反差的Adele，望落好似幾靚女，但冇興趣就是冇興趣——加上當時有個自己幾憎的同事都係叫呢個名，無形中令我對Adele更抗拒。冇錯，在愛與恨層面我就係咁膚淺和盲目。
愛上Adele是早排的事。
那天，唱片舖的電視在播著一個live。我突然聽到一首很好的歌，不是那種擺明好慘、唧你眼淚的哀慟情歌，但聽著，突然感到自己內心深處有啲嘢似乎在攪來攪去，攪動了那個操控眼淚的總掣。
WTF。人前人後都表現堅強的我竟然想喊。
就在理性同眼淚展開抗衡的時候，歌唱完了，歌者跟台下觀眾閒聊起來——這個剛剛才令我想喊想喊的女歌手，竟然是這麼風趣直率，直率得不時會爆粗。不像我們的歌手，每一個都很規行矩步純如小綿羊。
於是我往電視望過去。嘩，乜個女歌手咁「宏偉」嘅。

一顆被厚厚脂肪保護著的心
那個live是《Live at the Royal Albert Hall》。那首搞到我幾乎喊的歌是《Set Fire to the Rain》。
從此我便迷上了Adele。
這個現在才23歲的英國女子說，令她愛上唱歌的是Spice Girl。後來在成長的路途上，接觸了更多更多的音樂，到最後選擇成為一個騷靈歌手。
但她的騷靈又不是純粹的騷靈，反而是摻雜了一些民謠、一些alternative rock，我想，這可能是她的騷靈吸引了我的其中一個原因。
更重要的，她不是個純粹演繹者，把別人替她寫好的歌齋唱出來就算。她的歌，主要都是由她本人去寫的，主題圍繞個人感情生活，像第二張專輯《21》，便是一則向前度訴說活得比你好的給自己的情書。
不像咱們的女歌手，永遠表現得好似沒有七情六慾，對愛情Adele絕對是極度嚴重投入的，投入得試過在準備展開美國巡唱的前夕，突然一意孤行地取消晒整個行程，為的，不過是要同男朋友一起(即使後來還是分手收場)。
這個擁有「宏偉」身形的女子，擁有的是顆出奇地纖細脆弱的心，或許如此，她才需要那一層層厚厚的脂肪好好包藏著、保護著，以免受傷。
只是，Adele往往被自己寫的歌出賣。從她的騷靈，你可以窺見她的soul，她的靈魂。我想，這正正是她的歌差點兒便把我搞喊的真正原因。
講堅的，明明已經把她的歌聽了那多遍，但在我邊寫這篇文邊聽著她的歌的同時，我的心，還是持續被進擊著，OK難受，但又忍不住繼續聽繼續令自己難受。

龍哥，撐你！

2012-02-23T16:04:00.000+08:00

假如有日俾人問起：當初是誰令我深深愛上畫公仔？
我會答，是邱福龍。
當然我畫的公仔核突就唔關邱福龍事吖。

當人家畫打打殺殺，佢畫機械人
知道邱福龍這個名字，是因為N年前的一本《小強漫畫集》。
書名中的小強便是上官小強，《壽星仔》作者。這本漫畫集主要是讓當時同公司的新秀發表作品。有些作品無疑很青澀，畫功也頗甩漏，但你會感受到他們對漫畫所抱持的熱血。
吸引我去買的那一期，封面上是一具S.F.3.D.的機械人。
S.F.3.D.是八十年代由橫山宏創作的模型系列，擁有本身世界觀，但令當時還是小學雞的我最震撼的，還是結合現代軍事的機械設計，擺明同當時主流的超級系機械人不同。只是，S.F.3.D.模型出名難砌，而且幾貴，所以當看見一本港漫封面上的，竟然是S.F.3.D.而不是王小虎石黑龍時，實在是興奮得立即動用晒那一天的零用，寧願捱餓也要買下來！然後一整晚都在細心研究那個cover——原來那隻S.F.3.D.同橫山宏的原本設定有少少出入，背脊多咗條排氣喉，右臂上又多咗支槍，但OK，這些加工不但不破壞原設計的美感，更讓我明白：當照畫一個別人的創作時，其實不用100%跟足。
畫下這個封面的，便是邱福龍。
為了捧龍哥場，由他繪製封面的三大打書《龍虎門》、《醉拳》和《如來神掌》期期買，但齋剪存封面就算，內文唔睇兼要偷偷哋丟掉(事關家人一直嚴禁閱讀港漫)。當時龍哥並沒有屬於自己名下的漫畫單行本，只會不定期發表短篇作，大部分都是把日本特撮英雄或荷李活科幻/神怪電影像《幪面超人》、《捉鬼敢死隊》、《未來戰士》及《蝙蝠俠》等等……進行優質本土改造。
龍哥的畫我臨摹過不少(我的仿作自然是極核突的)，他處理cute版造型的手法也影響了我，當年便試過把兩幅參考龍哥的cute版幪面超人拙作，投稿到一本已停刊的動漫雜誌《A-Club》，仲成功被刊出，令我賺到40蚊稿費。那一年是1987年。

霹靂雷霆震霪霧
上述咁勁的句子是赤殺王終極殺著。
赤殺王，《鐵將縱橫》頭號奸角。在沒有預警下1989年龍哥突然出版的個人作品(當時我已公然犯了家禁成為港漫粉絲)。
已經不知道怎樣形容那一刻的passion，只知道《鐵將縱橫》裡每一格都務必仔細閱讀，尤其那些彩稿，因為太勁勁勁勁勁了！龍哥的蒼勁畫風，更在2D畫面上展現了港漫不曾出現過的兩個字，霸氣！
問題是，追《鐵將》絕對是一場苦難——脫期脫得太離譜，最離譜一次竟然脫了足足半年，但我還是默默地等等等等等。
其後龍哥離開了舊公司(《鐵將》換了人畫，慘不忍睹)，直到自組公司繪下《龍神》，以精裝形式展示一個科幻技擊+ super hero的漫畫，成為港漫史上一次小型革命。
再之後他放棄《龍神》，幫黃玉郎再打江山，期間推出過好幾部個人作品，是的，我仲有捧場，但問心，只是一件例行公事。
在一個死忠龍迷眼裡，他在《鐵將》打後作品的參與度顯著減少了。有時，我會更愛他只此一家的蒼勁霸氣草稿，多於那些已加入他人斧鑿筆跡的所謂完成品。
《鐵將》reboot了。我終於再一次在完成品上看見邱福龍。
作為他許勝不許敗的真正創業作，這一次他本人真的使出了「霹靂雷霆震霪霧」。
書一到手後，我便由頭到尾好仔細地睇了三次，而且正準備睇第四次。情況，就像舊版《鐵將》出街的時候。
多年來都好想親口同龍哥講聲：「我一直撐你！」機會也出現過好多次——以前工作地方在柴灣，不時會遇上買完外賣的龍哥，只是他往往行色匆匆，趕住返工，而在偶像面前我又總係好鬼鵪鶉……如果龍哥記得以前有個四眼光頭月巴仔成日眼甘甘望住你，唔使驚，不過是一個撐你多年的鵪鶉粉絲而已。
沒錯，這是港漫最黑暗的時代，似乎再沒有年輕新讀者願意買港漫來看——講真，我也不敢慫恿大家咁做，老實，真的冇乜好睇(鄭健和《封神紀》倒是值得看的)。
但信我，邱福龍是真心熱愛漫畫和畫畫的，而不是那些掛個名、或根本已不愛漫畫的所謂「漫畫家」。
多口講句。真心希望龍哥能再畫cute版、或打書以外的題材。你的能力，從來都不應受制於打打殺殺的港漫主旋律。

哀一位歌姬悼一間茶記

2012-02-16T15:34:00.000+08:00

一星期前，因為要寫篇有關Whitney Houston的長文，用上幾粒鐘壓縮地閱讀了她一生。
一星期後，她就死了。

直至離世了，我們才把她追封為不朽
我不是Whitney粉絲，她那種爆肺R&B也從不是我的喜好，但為了營造一種「寫佢」的氛圍，也(不得不)在屋企狂播她一系列首本名曲—— 《Saving All My Love For You》、《Greatest Love of All》、《I Will Always Love You》……如果不是為了寫Whitney，自問真的不會再聽她的歌。
反觀外在世界，又是怎樣看待這位一代Diva？
一位嫁錯老公沉淪毒海以致天籟之聲都斷送埋的過氣天后。夠殘忍了吧。
態度，就像我們在MJ猝死前最後那幾年看待他的一樣殘忍。
但人一旦死了，我們昔日的殘忍，往往突然幻化成過分慈悲的惻隱——去追憶，去緬懷，甚至去寬恕，然後再把一個個已經陳舊兼阻碇的名字追封為不朽。我們就是這麼契弟。
如果你知道Whitney的成長背景，或者也會感慨，她的下場冇理由會咁荒唐悲涼。
她並非含住金鎖匙出世，但家庭環境絕對優良，在一個充滿教養的背景下成長，典型乖乖女；然後憑著天籟歌聲，才華很早便被發掘。
如果張愛玲那「出名要趁早，來得太晚的話快樂也不那麼痛快」的話是真理，Whitney應該痛快得很。在22歲推出首張同名專輯時，已經成為舉國皆知的天后，不單攻陷黑人界別，甚至是連白人也要俯首稱臣——當然，有人批評Whitney那刻意淡化黑人音樂風格的做法，是向白人世界的一次獻媚。
但可能這樣，到了1992年，白人竟願意拱手相讓奇雲高士拿，做Whitney保鑣，談了一次衝破種族的情。如果你有看過《護花傾情》——或許當時也曾被感動吧——但嚴格來說，齣戲其實OK爛，是Whitney的歌才把電影add value。
其後的事我們大概都一清二楚了。在《I Will Always Love You》紅遍全球的1992年，Whitney開始吸毒，嫁了給近幾日受盡千夫所指的Bobby Brown……千禧打後，只是一個掛名天后，hit song是有的，但再也不能讓她的成就達至八十、九十年代的高度；失場、失聲再失埋樣(google一下，娛樂攝記的確拍下了那時期Whitney為數不少的醜樣相片)，最後，失埋婚姻。
Bobby Brown真是間接害死Whitney的兇手嗎？我同朋友竟然就這問題展開討論——自然沒有結論，只是有人提出了一點：如果Whitney真的很愛很愛這老公，而又明知這老公的墮落，她是否純粹為了愛才去墮落埋一份？結果，互相折磨角力，直至筋疲力盡一刻才願意放手……
當然，也是不可能會有結論。

一個場所的消失也是永恆的
討論的場所是Facebook。換轉五年前，一定會在旺角洗衣街的一間24小時營業茶餐廳進行。叫南豐，位置在近日受到廣泛傳媒報道的美而廉隔籬。
老實，這兒的食品質素普通，也沒有當代那些新式茶記的花招，但至少不取巧兼飽肚。
曾經試過一星期有四晚都在這兒打躉。打躉的意思是，由凌晨12點坐到4、5點，甚或通頂。有時是單拖，看小說、看漫畫，有時是跟朋友一起，事關很邪，明明事先沒有約實，也總會在這兒撞見啱傾的朋友。於是，少則二人，多則六、七個人，便在這裡肆意吹水，話題由囡囡到電影到小說到漫畫到寫作到生活挫折，甚至有時會談到不著邊際的夢想。即使夢想從來沒有成真。
明知你齋坐，這兒也從不趕人走。見你枱上冇嘢飲了，還會主動遞上茶。就算自己去攞，都冇相干。
近年是少去了。不少朋友已有家室，而自己也老了，不太適宜捱夜。但知道有朋友依然是常客，只是實行室內禁煙後，由室內轉戰室外，依然是老模樣，一杯凍奶茶坐上幾粒鐘。
我不想跟某些飲食雜誌一樣，把以上種種庸俗硬掘地稱之為「人情味」，只想形容，一切都是由店和客雙方所共同營造的，一種舒坦的自由。
但因為社區重建這條偉大硬道理，這兒即將結業。
Whitney死了，我還可以聽她的歌，一個地方死了，我唔知去邊度先搵到只有那地方才可給予的自由。
有朋友說，近幾天美而廉門外突然排起長龍來。只能說，我們就是一群平日不懂去珍惜去愛的契弟。

whitney houston巨聲年代記

2012-02-12T20:06:00.000+08:00

不像六十年代的充滿顛覆和革命性，也不像七十年代的躁動中隱藏愉悅。八十年代是一次集體性發癲的快樂時代。還是個盛產流行音樂巨星的重要年代。可一不可再。在冷戰就快玩完的日子，荷李活電影keep住生產肌肉型救國英雄，宣傳著一種最形而下但又最富視覺效果的英雄主義。
MTV台，引發了群眾用視覺去理解、閱讀流行音樂。MV成為那年代最重要的音樂推廣工具，配合花喱花碌的浮誇衣著和用色，一個史無前例的美學新標準，結合成一個個比七彩蝦條姐姐還要colourful的MV。
像Whitney Houston初出道時最重要的Dance-pop單曲《How Will I Know》，歌曲的MV便是一次最貼切示範：一身姣紫的Whitney，set了個極度「奔放」的髮型，全程遊走於一個牆身顏色跟其衣著色調撞到九彩的空間裡，開開心心在唱歌——就是這個MV，讓MTV台觀眾關注到這位當時才不過22歲的爆肺級黑人女孩。
是的，多得Whitney Houston做了開路先鋒，那一堆爆肺級R&B後輩(尤其是黑人女歌手)，今時今日才能夠走在一條較輕鬆平坦的流行路上。

新正頭，突然爆了單有關Whitney Houston的傳聞——八十年代流行天后瀕臨破產，甚至淪落到要問朋友借100蚊美金度日。有關方面立即就傳聞作出否認，並指出由Whitney Houston主演兼監製的復出電影《Sparkle》，將在今年8月上映。
如果不是這單突如其來的傳聞，還有幾多人會留意或記得Whitney Houston？又如果，你是1990年打後才出世的話，甚至不會知道世上曾經存在過這麼一位R&B歌姬，在你仲未出世的八十年代怎樣極速走紅呼風喚雨兼稱霸流行樂壇……

80年代前，等待巨星。
是注定出色的。說的是Whitney Houston的歌聲。
她的母親Cissy，本身便擅唱福音歌曲，而Cissy的教母和兩名表兄弟，也馳騁於福音、騷靈、藍調等界別，所以Whitney Houston自小在唱功上已得幾方面的真傳，除了早就在教會參加合唱團獻唱福音歌外，還周不時跟隨母親到夜總會觀摩，母女更會間中同台表演。
在還沒簽約正式做歌手時，Whitney已不時進出錄音室，為歌手擔任和唱，最重要的一次，應該是為有“The Queen of Funk”之稱的Chaka Khan，擔任單曲《I’m Every Woman》和唱，那是1978年的事，當時Whitney 15歲。很多年後，當Whitney已成為天后，也為由她首度演出的電影《護花傾情》(The Bodyguard)翻唱了這首歌。
Whitney不算很標致，但青春期的她有種鄰家女孩的親和力，這種親和力，讓她做起teen model來，替不少雜誌拍硬照，最史無前例的一次，則是替少女雜誌《Seventeen》影封面——這是該雜誌首次起用黑人女子作為cover girl(美國是個比很多地方把種族膚色睇得更重的「開放國家」)。
OK，種種跡象顯示，一個來自黑人家庭的超級巨聲正在等待爆紅。

1985年，Whitney的時代來了。
在Whitney抆住媽咪衫尾去夜場唱歌的日子，她的歌聲和親和力，一早就搶去不少唱片公司高層目光。Arista Records的一名高層，在看過小Whitney的一次演出後，心諗不得了，現在不簽，一旦被別家公司簽了就大鑊了，於是迫老闆Clive Davis務必去現場聽一次這個黑人女孩的震撼歌聲。Clive Davis真的去聽了，並立即決定跟這女孩簽約。
Whitney簽給Arista Records，是1983年的事，但她的debut album卻要等到兩年後才應市。晨早簽了約而又不立即出碟，這一來是老闆Clive Davis在商言商的策略，免卻其他唱片公司搶走Whitney，二來，他想找到最適合的製作班底，才去為Whitney製作專輯。但在這段醞釀期裡，唱片公司也有安排Whitney去跟別人合唱，測試水溫。
1985年2月，Whitney的debut album推出了，一如那年頭很多新歌手的做法，專輯名字就是簡單地採用歌手個名。這張《Whitney Houston》是慢熱的——即使《滾石雜誌》把Whitney說成是”one of the most exciting new voices in years”，《The New York Times》又狂讚她。唱片公司用了3張不同風格的單曲去推這張專輯，把Whitney的不同面公開展示。
在英國，plug的單曲是《Someone for Me》，Dance-funk作品，反應麻麻(你看看現在的英美流行榜吧，會發現兩地樂迷的口味往往是很兩極化的)：在歐洲國家，則以本格R&B《All at Once》作先行單曲，OK受歡迎；而在美國本土，谷的是《You Give Good Love》，實行以騷靈風先搶佔黑人市場，結果策略成功，最高位置一度攀上Billboard第三位。
然後，殺著來了。《Saving All My Love for You》這首Jazz的小曲推出，在美國爆紅外，更成功贏埋英國市場，成為兩地流行榜的No.1，Whitney Houston的時代來臨了。但這還未夠。下一波的單曲《How Will I Know》，讓Whitney得以在很白人口味主導的MTV台也紅起來；最後一首加推的單曲《Greatest Love of All》，Whitney的翻唱版本，讓這首1977年的歌成為那快樂年代，一場最偉大的生命頌讚，更幾乎主導了Whitney日後的歌唱風格——但老闆Clive Davis原先不願讓Whitney翻唱這首歌，寫這首歌的Linda Creed，其實是把自己面對乳癌的生命態度寫下。
《Whitney Houston》在推出後一年，終於成為大碟榜No.1；單單一張專輯，便包含了三張NO.1單曲。《Whitney Houston》至今依然是Whitney最暢銷的專輯，全球銷量高達2,500萬張。

1989年，遇上命中注定的Bobby Brown。
那一年，Whitney遇上R&B歌手Bobby Brown，初則戀上，繼而在3年後的7月18日結埋婚。新婚夫婦更恩愛合唱了一曲《Something In Common》，收錄在Bobby Brown的同年專輯《Bobby》內。
結婚後一年，Whitney連隨為Bobby誕下囡囡Bobbi Kristina Houston Brown。
這頭婚事在當年是極度轟動的。外界總認為Whitney其實可有更好的老公人選(但先旨聲明，Bobby Brown也是個受歡迎的R&B歌手)，原因，可能來自二人的成長背景。Whitney生於一個中產家庭，自小有良好教養；老公呢，出身貧窮，在青春期的反叛歲月，終日無所事事，聯群結黨在街頭搞事，直到目睹一個朋友被監生打死後才生性，並被R&B拯救了……不是外界的八公八婆特別挑通眼眉，但偏偏事實證明，Whitney和Bobby這段一早就不被睇好的婚姻，真的好快變了質。當然，不能夠話Whitney因為同Bobby結了婚先會走去吸毒，但不愉快的婚姻和傳聞中的家暴，應該令近乎沒有經歷過大風浪的Whitney的心，被侵蝕。

1992年全球熱唱：I Will Always Love Youuuuuuu！
在餘下的八十年代，Whitney分別出了《Whitney》和《I’m Your Baby Tonight》，前者被評只管延續首張專輯路線，太穩陣，但一樣大賣；後者銳意改變，而Whitney本人當時已坐擁權力，有權去揀歌和揀監製，讓專輯呈現了一種更黑人音樂的感覺，不像上兩張專輯般想去討好所有膚色的人種。《I’m Your Baby Tonight》日後也被公認為她風格最完整統一的作品。在美國，歌星就是歌星，影星就是影星，當然也不乏突然跨界走去拍電影的歌星，像Madonna，但通常難逃慘劇收場。但Whitney實在太紅了，自然吸引到片商，於是不少絕佳的offer和劇本送到Whitney面前，合作的不是大導演就是一線影星，但她統統推掉，認為未是適當時機。
真正的適當時機要等到九十年代初。Whitney卒之等到一個最啱自己去做的角色。1992年的《護花傾情》，Whitney做番自己，超級紅歌星，卻慘被狂迷纏身，男主角是堪稱九十年代荷李活代言人的奇雲高士拿(Kevin Costner)，飾演一名有型保鑣。朝夕相對後，身份懸殊的二人愛上對方……荷李活片商大膽讓白人男子跟黑人女子發生感情線。影評明顯不buy這種感情配，更指Whitney的演出渣兼冇特別(因為她不過是做番自己而已)，而該年的金草莓獎最差女主角，Whitney更成功入了圍……
不過，《護花傾情》票房依然超掂。電影收得，很大程度要多謝電影soundtrack。為了這張soundtrack，Whitney獻上親自監修的6首金曲，當中更包括書寫了那個九十年代的超級無敵永恆愛情主打——《I Will Always Love You》。嗱，如果你沒有經歷過1992年，又或當時年紀仲細，你不會知道這首《I Will Always Love You》的強勁滲透力。那一年沒有YouTube沒有討論區，但身邊總有人是會識得哼一兩句出來的，因為唔知點解，我們每一日總能經由各大媒體而聽到這首愛情金曲一或兩甚或三至四次！
(或許實在聽得太多，而我又不是Whitney的粉絲吧，曾經有一段長時間，我不能聽到《I Will Always Love You》這首歌及”I Will Always Love You”這句話，一聽就發癲……事隔多年直至要寫這一篇文，才聽番，讓自己recall番那個全城都在高歌always love you的1992年。)

1994年，為曼德拉而唱。
在八十年代，Whitney已經是曼德拉(Nelson Mandela)支持者。1994年10月，白宮設宴款待剛在4月獲選為南非總統的曼德拉，Whitney除了是座上客，也為這位南非反種族隔離運動的領袖即席獻唱。同年，Whitney到南非開了3場個唱，門券收益則用作捐助南非慈善團體。

千禧，精選專輯之後……
九十年代後半，Whitney不是不紅，只是已經再達不到她在八十年代和九十年代初所能達至的高度。
2000年，一個新時代的開始，Whitney推出了精選專輯《Whitney: The Greatest Hits》，讓大家回味她的最光輝時刻。
只是同一年，Whitney和老公在夏威夷機場斷正，被發現行李內藏有大麻。
乖乖女形象一直具認受性的Whitney，形象開始崩潰。除了吸毒傳聞，專業的她也接二連三失場，最離譜的一次是老闆Clive Davis躋身“Rock & Roll Hall of Fame”，Whitney本來被安排同場獻唱，向這位當年提攜自己的老闆致敬，但no show，原因不明。
之後，Whitney本來有份為奧斯卡擔任表演嘉賓，這次不是no show，而是被多年好友暨大會音樂總監Burt Bacharach炒魷。多年後Burt Bacharach在自己的書裡回憶往事，說棄用Whitney是因為發現她的歌聲「不穩定」、「緊張不安」，而且明明要她唱《Over the Rainbow》，卻唱錯歌。後來，Whitney也承認了自己當日是被炒，而不是因為甚麼健康問題請辭。
還有，跟Whitney打拚多年的知己Robyn Crawford，也退出了Whitney的公司。
2001年，跟唱片公司重訂合約，酬金是天價1億美金，推出6張專輯。
2006年，跟老公分居，翌年正式離婚。
2009年，Whitney應邀上名嘴Oprah Winfrey節目，剖白自己過去那段毒后歲月。一切開始於1992年拍《護花傾情》的時候(那一年她跟Bobby結婚)，之後愈踩愈深不能自拔，最荒唐時甚至試過跟老公宅在家裡足足一個禮拜，整個星期就是邊睇電視邊在隊(混了可卡因的)草……而這段婚姻也充滿了傷痛，因為經常都要忍受火爆老公的拳打腳踢……
將自己瘡疤向電視機前觀眾挖晒出來的同年，新專輯《I Look to You》登上Billboard No.1位置。對上一張登上此位置的，已是1992年的《護花傾情》soundtrack。樂迷沒有忘記她，但Whitney之後的巡迴tour，卻是劣評連連。
2011年，整整15年沒有拍戲的Whitney，宣布參與1976年電影《Sparkle》的重拍計劃，演出之餘還監製。六十年代，有關三姊妹的勵志故事，說她們怎樣由教會合唱團唱到入樂壇打拚……
或許，最需要鼓勵的正正是Whitney本人。

R.I.P

秦博士年代的手塚治虫

2012-02-09T19:55:00.001+08:00

怪醫黑傑克，即是我們叫慣叫熟的怪醫秦博士。
《怪醫黑傑克的誕生——手塚治虫的創作秘辛》，單看書名會以為是向你展示手塚治虫當年怎樣構想秦博士。其實，唔係的。

手塚怒了：「我很認真的在做！」
《怪醫秦博士》正式展開連載是1973年的事。那一年，手塚45歲。
他一早已經是超著名漫畫家，又一早做了日本動畫製作的先驅，但當踏入1970年代，因經營不善，公司倒閉，一手建立的動漫事業近乎被摧毀。最弊是，就連他本人最自豪的漫畫本業，也居然被出版社拒絕了新作企劃。
好彩，終於有一位言行舉止都貌似黑道中人、名叫壁村耐三的漫畫雜誌社總編輯，力邀手塚替他們的雜誌畫新連載。便是《怪醫秦博士》。
《怪醫黑傑克的誕生——手塚治虫的創作秘辛》要交代的便是手塚創作《怪醫秦博士》的關鍵時刻，經由當年一眾跟他共事過而仲在生的人的口述，重組手塚這個人的創作習慣——怎樣拚了命去創作的習慣。
連載《怪醫秦博士》期間手塚不算老，但肯定已不是正值壯年時（據手塚自述，童年的他本就是個體弱多病的孱仔）。那時候，他一個人擔起好幾個連載，一年裡頭近乎沒有休息過地畫畫畫……OK，他是有一堆助理幫他（在日本他算是最早以團隊形式製作漫畫），只是他並非單純圈了稿畫了草圖便算數，還有最核心的故事，也是由他一人包辦的。
據當年跟他合作過的責任編輯說，手塚往往在正式落筆繪畫每回連載前，都會至少諗定三個大綱，然後選他認為最好的去畫（而不是選最快最易處理的）。
某一次，明明已經比截稿時間遲咗好多，一個新負責《怪醫秦博士》的責任編輯等得慌了，當手塚提出三個故事方案，問他哪一個最好時，責任編輯交出了一個你和我甚或所有打工仔都可能會答的答案：「哪個故事能最快畫完呢？」
「我很認真的在做！請你也認真去想！」
手塚怒了，掉頭返回工作室。責任編輯知道自己瀨了一鑊極甘的。
30分鐘後手塚蒲頭，笑著說：「我又想到一個點子了。」責任編輯於是唯唯諾諾的贊同這新點子，點知嚴謹的手塚，又再用這一刻的我來打倒前一刻的我，嫌點子仍然不夠有趣！閉門又再諗過。
翌日早上，漫畫原稿終於交到責任編輯手上了。他一看，發現手塚居然在短短時間兼超疲累狀態下（他在繪畫這回《秦博士》前才剛嘔掂100頁原稿），只不過一日半，也能交出一個比原初構想好上N倍的漫畫，他感動得在顫抖（哪一格是咁畫的）。看到這一格時我也在顫抖，甚至起雞皮——是那種熱血同感動交織而成的雞皮。

請讓年輕的放膽去做
手塚有一班優質助理團隊，對於這班有心來學嘢的助理，他絕少一板一眼的去傳授（甚至好似冇），他更重視啟發助理，讓他們自由地找尋屬於自己的畫風，和自己的創作之路。
就像寺澤武一。
寺澤武一，著名作《哥布拉》，單看他的畫風，實在諗唔到原來他曾待在手塚工作室好幾年時間。
寺澤回憶，偶然間看到廣告知道手塚工作室請人，便去應徵，但因自己脾氣不好不獲接納（漫畫裡沒有明確交代，似乎當日in佢的不是手塚本人），到後來手塚見到他的畫，才堅持要請他。
某天，手塚在紙上塗鴉了一個唔知係乜的東西，交給寺澤，託他沿著塗鴉畫一架火箭出來。寺澤諗，其實大可以依據塗鴉畫一架好政治正確、全世界都睇得明的火箭，但他筆走偏鋒，設計了一架超越當時常人知識範疇的「嘢」出來。周遭助理心想，大鑊了……
結果自然是：手塚超like。他明白，單憑自己一個腦，想法是有限的，他需要年輕的漫畫家為作品注入新意念，所以必先讓他們放膽去做，對於好的還要加以承認和表揚。
手塚從來都不是神，他會嬲會拖稿會氣餒也會有人的負面情緒，卻同時死命地去做了許多人人理應要做卻冇去做的事。艱險他奮進困乏他多情，到了中年，凝聚生命體驗，終煉成了《怪醫秦博士》。
你去看看那班坐擁學識地位的乜乜學者物物校長，近日是怎樣為了維護個人權力絕對領域，而去忽視/鄙視/賤視年輕人的訴求？
他們正正是秦博士最不屑去醫的生物。因為，心冇得醫。

你思，故你在。

2012-02-02T17:08:00.002+08:00

假設把古往今來世界各地所有哲學家的思想加加埋埋，大概相等於一個太平洋的話，我諗我至今所知道和明白的，只得幾滴水。
這幾滴水，卻一直撐住我。

感激一個人
當年是因為有極濃厚興趣，才在大學聯招揀了歷史系，結果又真的俾我讀到。
基本上是徹底失望的。估唔到在大學的講堂，那些博士教授不是一味在照書讀，就是把講義內容投射在白膠板上，暗示學生去死命地抄啊抄……但我認，我有份抄。
真正的生活，總是在他方。本科搵唔到樂趣，惟有去第二度搵(事實是中大也規定，任何本科生都務必選修其他學系的科目)。唔知點解，竟然選修了哲學系的「哲學概論」。
那學期的「哲學概論」，教的是形而上學和知識論，導師是陳特先生。
由第一堂以「人不能夠踏入同一條河兩次」作引子開始，我感到自己的腦被剖開——那一顆過去被作為主人的我，自以為已經裝滿了好多知識的腦，原來是「吉」的！沒錯，即使是有一點叫做「知識」的東西存在著，但都是垃圾！WTF！
那些明明很複雜的柏拉圖理型論、黑格爾辯證法、馬克思如何以物質作為世界之根本，從而推演出成套唯物史觀共產主義、休謨闡述人類建構知識的因果論，還有最最最麻煩的康德，佢話人類一直是以只屬人類使用的既定概念範疇去觀照事物，所以永遠不會知道「物自身」其實是乜Q……多得導師陳特先生很條理分明的用心講解，就連成班最蠢的我都聽得明。
短短的12堂，腦裡好似掛了12次十號風球；當把一切渣滓、垃圾統統吹走後，換回一顆澄明的腦。
我衷心感激陳特先生。

進化成Last Man
十幾年過後，澄明的腦變得空蕩蕩。
當你在這個殘酷世界做人做得愈耐，你會發現，世上似乎沒有終極真理。唯一可能的真理是：如果你冇錢，或一個好有錢的爹哋，就唔該搵份工，星期一至五把至少 8粒鐘(有時會更多)的青春奉獻出來，返工等放工等放假等月尾出糧，吃喝玩樂吃喝玩樂……然後到了某一天有人同你講：咁樣生活是嚴重缺乏質素的，你真正需要的，是質素良好的充足睡眠。於是，意志薄弱的你在唔使開工的時間，努力地瞓。出賣自己青春和良心去返工，目的，就是為了躂落床的美好一瞬。
但你總不會一放工返到屋企就捨得瞓吧。在這段唔使開工又未就寢的尷尬時刻，你開始尋找一些令自己心靈安樂的養份——例如以前極度流行的《心靈雞湯》吧，好讓自己早被蠶食的渺小的心，有點滋潤。咁啱，每隔一排就會唔知喺邊度爆啲人出來，去講一些懶直指人心的話。這些話，通常會挪用一點哲學，引經據典地，目的無非是叫世人睇開點吧，因為睇得開才能活得愜意。
Well，你終於進化成一個Last Man。
甚麼是Last Man？不是江川達也畫嗰個，而是尼采對活在價值瓦解下的現代文明人的形容。
Last Man的特徵是：以薄弱意志過活，只求安穩安逸，沒有目標。
冇錯，即是你同我。

這是一場思想的對決
《史上最強哲學入門》這本哲學導讀兜巴摑醒了我。
遙遠的古代，一群不安於現世狀況的智者，面對茫茫天地，心底裡忍唔住泛起各式各樣疑問：世界有沒有終極真理？有沒有真正的道德標準？真正的快樂是甚麼？作為一個存在「我」是怎麼樣的一種事物？而由「我」眼中看見的世間萬事萬物又是不是真實的？……於是，哲學家在腦袋裡，試圖建立一個完備的思想體系去解釋世界；之後，又有另一批哲學家出來，拆解前人思想體系的漏洞，修正，甚或重新建立另一套更完備更周密的思想體系。
就像格鬥場上的武術家，各擁一套武術，大家都試圖擊敗場內的每一人，去證明自己才是最強。
《史上最強哲學入門》作者不甘心寫一本流水帳的哲學導讀，作為《刃牙》粉絲的他，索性把古往今來的哲人齊集在哲學的格鬥場上，鋪陳他們的思想必殺技。
我看過很多哲學入門書，不是太悶，就是結構出問題，不能讓你縱向地理解哲學的演變，後人怎樣理解及分解前人思想。又有一些，語焉不詳，又或懶勁地動用一些深而多餘的語言，去解釋本身己經OK深的思想。這一本沒這問題，就連擺到明勁麻煩的康德和德希達，一樣能夠把兩位的思想精髓簡明拆解。
「明天，就算我突然消失了，世界還是會若無其事地運作下去。這樣的世界，讓我感到好可怕。」列維納斯(Emmanuel Levinas)這樣說。不要奢望別人會幫你搵到活著的意義，自己去諗去搵吧。
你思，故你在。

補充：陳特先生於2002年病逝。

當那些所謂樂壇成績表分發出去後

2012-01-14T18:19:00.000+08:00

也不知是幸或不幸，今年好神心地睇晒四個樂壇頒獎禮。

原來香港樂壇有好多人在默默耕耘
最先睇的是新城。
嘩，我看到很多連名都講唔出的歌手啊——但這可能只代表了我的愚昧和無知。
有人說，這個台的頒獎禮年年分豬肉欠代表性云云……但我諗，如果我是那些樂壇弱勢社群(自己既冇知名度背後亦冇大公司back-up)，而居然塵世間有人會賞識我，仲話要頒個獎俾我，我是不介意——去分這嚿豬肉的。
這可能已是那些弱勢社群唯一兼最重大的宣傳渠道了。所以當晚我好留心去記實、辨認他們，問題是，對於一個記憶力開始衰退的中年人來說，一晚內要把這麼多陌生臉孔名字塞入腦裡是相當吃力的。
於是，當一熄電視，就乜都唔記得晒咯。對不起。

是不是太多口水呢？
有說，當下芸芸頒獎禮中，只有叱咤才最具代表性，因為有關方面的機制是計算——播．放．率。
近五年我都冇再聽電台，不清楚播放率是不是一門很厲害、很客觀的計算歌手人氣方法。
總之，當晚的叱咤，令我誤會自己睇緊很悶蛋的talk show，因為諸位有份上台發表的，內容離不開多謝邊個和多謝嗰個。
OK，我明白的，因為是計播放率嘛，所以若能夠基於如此好似客觀的方法而勝出，自然倍感馨香尊貴，在頒獎台上的感覺也零舍不同，於是有感而發，把感受統統化成口水，噴發。攞諾貝爾獎的得獎者都冇咁多嘢講，證明叱咤獎真的比諾貝爾獎更有分量。
OK，你攞一次獎，講上10分鐘，我體諒，但如果你一晚攞了三、四、五次獎，而每次又要講上10分鐘，條數就好襟計。即使要捍衛廣東話，也不用在這個時刻捍衛吧。
去年叱咤，一眾得獎歌手也很感性，而為了具體地展現那份感性，便一一化成淚水，個個都喊，你喊得淒涼嘛，我就要比你喊得更鬼哭神嚎……
那麼，在淚水和口水之間我寧願選擇哪一種？嘩，好難揀啫。
只能說，那一夜叱咤最可觀性的一part，是盧廣仲。因為佢冇講廢話，全程自彈自唱。
而我不是盧廣仲粉絲喎。

好彩有甄妮
過去的中文金曲往往在其餘三個頒獎禮搞晒後，才靜悄悄地進行。今年好快手，原因不詳。
是我不留心嗎？明明睇晒，但對於今年的中文金曲，居然冇乜嘢深刻片段。
唯一記得的，有兩項。
最深刻是：謝安琪憑《你們的幸福》拿金曲獎時，竟然錯播了《十二月二十》的音樂。
更深刻是：甄妮。好一個甄妮，輕輕鬆鬆洋洋灑灑，便演繹了幾首難度系數達爆肺級的經典金曲。
每年看中文金曲的最大原因，似乎便是這個金針獎。

巴別塔……爆了！
真人真事。
《Chok》勇奪「金曲金獎」的那個歷史性時刻，我隻貓突然興奮到癲咗！跑上電視機前用利爪抓向電視機裡的林峯……
LCD屏幕當堂花了。
對於林峯的得獎，我的反應不及我的貓大，不開心也不憤怒，感覺只是：有班人眾志成城，知其不可而為之地，夾硬去起一幢明．明．不．可．能．完．成．的．巴．別．塔。
最後總算俾佢哋起埋個塔頂了，只是他們不知道，這棟嘢原來一直是幢岌岌可危的危樓。
一切，源自那班妄想去建塔的人的虛妄。
分豬肉和亂咁頒是一線之差。但分豬肉尚算人人有份大家開心，亂咁頒，則是讓明明冇資格攞大獎的都去攞，結果惹得天下人的憤怒情緒，爆了(順提：自稱好鍾意做音樂事業的古巨基的《爆了》，則是一首令我真心戥佢尷尬的金曲)。
所以，下年我決定齋睇新城算了。

20不死搖滾

2012-01-12T03:48:00.001+08:00

Rock'n'Roll never die，而有些rock song，也應該是不死的。

本來想寫夠50首，但畢竟工程太浩瀚，所以縮為20首。

這20首，涵蓋了上世紀六十年代至千禧之前，有些改變了當代流行音樂生態，有些改造了當代音樂結構和面貌；有些回應著某個年代的政治風潮，有些呼應著某個世代的一整代人的共同心理。

當然，真正不死的搖滾，肯定不止20首。

1.The Beatles《I Wanna Hold Your Hand》(1963)

或許The Beatles大把作品都來得更具革命意義，但這首早期的媾女歌，卻象徵著他們事業上的重大突破——攻入美國市場。沒錯，樂隊的確早就在祖家英國紅了，當時經理人Brian Epstein卻希望他們可以早日殺入美國。於是，John Lennon和Paul McCartney便日度夜度，經過反覆討論後，終於鑽研出《I Wanna Hold Your Hand》的永恆流麗旋律。Vocal方面，二人罕有地採用合唱形式處理(但細聽下，John的歌聲是較「出」的)。歌曲除了在英國大受歡迎，更成功登上Billboard No.1位置。The Beatles/英倫搖滾正式入侵美國。

——From《The Beatles/1962-1966》

2.Bob Dylan《Like A Rolling Stone》(1965)

When you ain't got nothing, you got nothing to lose——搖滾詩人最著名歌曲，是當事人音樂事業的一場救贖。那段日子他考慮著轉型，又或不如乾脆退出樂壇好了，結果他卻寫成這首歌。歌曲主題多年來眾說紛紜，有說是Bob Dylan對資本階級的一次揶揄，也有說歌詞裡的「Miss Lonely」是他對舊情人Edie Sedgwick的影射——Edie Sedgwick，豪門出生，後來認識了Andy Warhol，從他口中得悉Bob Dylan已婚，決定分手——Andy Warhol曾說，聽著《Like A Rolling Stone》總像聽到Bob Dylan對他的敵意。因為這首歌，Bob Dylan從此由民謠歌手變身搖滾音樂旗手。

——From《Highway 61 Revisited》

3.Jimi Hendrix《Voodoo Child (Slight Return)》(1968)

如果要選史上最佳搖滾歌曲前奏，《Voodoo Child (Slight Return)》冇可能不入選吧。結他之神Jimi Hendrix，以只此一家的自學結他造詣彈奏了最狂亂的搖滾樂章，描劃了那個迷幻盛世的張狂和美麗，有人甚至說，即使你照住來彈，也彈不出Jimi Hendrix雙手所賦與的神髓。我唔識彈結他，不知此言論有沒有誇張，但Jimi Hendrix絕對是那個迷幻年代的最佳代言人，《Voodoo Child (Slight Return)》絕對是迷幻神曲。

——From《Electric Ladyland》

4.The Velvet Underground《Heroin》(1967)

結他彈得亂糟糟，Lou Reed的低沉歌聲也不算動聽，對比專輯的其他歌，長7分12秒的《Heroin》注定不會是那種聽第一次就能迅速令你愛上的歌曲——冇錯，我第一次聽這隻碟時甚至skip了她。她要你慢慢的沉溺下去，不能自拔，然後你才發現，那亂糟糟的結他和Lou Reed的歌聲原來是一種毒品，一旦愛上，便逃不了——人人說Lou Reed在歌頌海洛英的美妙，但他說不是。哈維爾很喜歡這張專輯，喜歡得日後在捷克搞了場「天鵝絨革命」。

——From《The Velvet Underground & Nico》

5.The Rolling Stones《Gimme Shelter》(1969)

Mick Jagger說，寫這首歌時正值越戰，一個極暴力的年代。當不少樂隊都在用溫婉歌曲提倡反戰時，The Rolling Stones卻要唱出那一場無仁義之戰的殘暴，而在監製提議下，加入了女聲Merry Clayton，到了中段淒厲地嘶叫著「Rape, murder! It's just a shot away」——在男性構築主導的戰場中，女性往往承受著更慘無人道的暴力對待。

——From《Let It Bleed》

6.Led Zeppelin《Immigrant Song》(1970)

講真，Led Zeppelin有很多歌都位列不朽殿堂，為何偏偏要選這首？歌是在他們的一次前往北歐演出途中寫的，那一次長征，對Robert Plant來說，就有如當年驍勇善戰維京人踏足北歐新世界。作為樂隊罕見的短小歌曲(3分鐘都唔夠)，多年來被不少單位翻唱過，而最新近、也有可能是最好的一次，便是由紐約樂隊Yeah Yeah Yeahs女主將Karen O獻唱的版本，亦即是當你看大衛．芬查版《龍紋身的女孩》，播open credits時聽到的那首歌。

——From《Led Zeppelin III》

7.John Lennon《Imagine》(1971)

我已不會相信John Lennon在《Imagine》所想像的世界有實現的可能性，但也不會否認他這份想像的偉大。作獨立發展後的John，跟老婆Yoko積極投入世界事務，先在1969年用《Give Peace A Chance》宣揚反戰信息，兩年後，再把一個想像中的美麗新世界無私地描劃出來，以供各國參考，在那個美麗新世界，人類再沒有自私沒有階級沒有宗教紛爭——當我們嚮往著這份美麗的同時，也在自私地跟著階級劃分來過活，面對因宗教分歧而產生的紛爭。

——From《Imagine》

8.David Bowie《Starman》(1972)

在概念專輯《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》裡，主人翁Ziggy Stardust是個化身成人類搖滾巨星的外星人，在他留守地球的最後日子，用歌曲來散布希望，其中《Starman》是Ziggy Stardust給地球人的一個預言書，預言有一個「人」將會不日降臨地上——這個「人」被解讀成，上帝。現實中，以acoustic結他作前奏、擁有長青旋律的這首歌，讓David Bowie踏上搖滾巨星的台階，把Glam Rock散布地球。

——From《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》

9.Queen《Bohemian Rhapsody》(1975)

一次華麗的Progressive Rock流行實驗。接近6分鐘的搖滾長篇組曲，沒有副歌，包括六個構成部分，當中類型有Ballad、Opera、Hard Rock，卻又被Freddie Mercury的完美歌聲完美地結合起來，成為一個有機的整體。年前，香港某個最受歡迎男歌手的某首歌，被指抄襲自《Bohemian Rhapsody》，事後他解畫，說因為佢首歌玩的也是Progressive Rock，所以才會給人歌有相似的感覺……他的解釋實在令我笑——爆了。

——From《A Night At The Opera》

10.Sex Pistols《Anarchy In The U.K.》(1976)

Punk，七十年代發生在英國的一次把音樂、政治、流行文化等等，撈埋一堆的狂暴風潮，當中象徵人物必然是只推出過一張大碟的Sex Pistols。作為樂隊首張面世歌曲，主將John Lydon沒有用上隱喻或修辭手法，只是直截了當地寫出一個擁抱無政府主義的青年心聲——其實當中的歌詞填得不算高明，但勝在顯淺易明，夠渲染力，處處針對著權威。之後，樂隊以《God Save The Queen》承接那股憤怒，Punk進入高潮。

——From《Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols》

11.Eagles《Hotel California》(1977)

在搖滾史上Eagles從不被認為是重要樂隊，每次當那些外國音樂媒體搞選舉，Eagles絕少入選——不過，至少他們出產過這麼一首《Hotel California》，那個旋律的流行程度，是不論閣下是否喜愛搖滾，都難免會聽過吧——的而且確，《Hotel California》已成為了不少人對Classic Rock自行構築的一個初始印象。歌的主題其實眾說紛紜，官方說法是描劃在洛杉磯生活，非官方詮釋則是對藥物的沉溺，又或是跟撒旦的一次(萬劫不復的)聯誼。

——From《Hotel California》

12.Bee Gees《Stayin' Alive》(1977)

Bee Gees是搖滾樂隊嗎？當然是，他們1969年的《Odessa》便是張很優美的Prog Rock專輯。只是，他們真正的影響力不在搖滾，而是一手把搖滾的骨幹，導向七十年代末、由電影《周末狂熱》(Saturday Night Fever)燃點的Disco熱潮，而這個熱潮的助燃，便是金曲《Stayin' Alive》。30年後樂隊成員Robin Gibb說，歌的主題其實是求生，是描述人在大都市(尤指紐約)的求生——但我想在那個年頭因為這首歌而印身印勢的男與女，都唔似會聽得出呢個主題囉。

——From《Saturday Night Fever》

13.U2《Sunday Bloody Sunday》(1983)

1972年1月30日，星期日，英國軍隊在北愛爾蘭射殺手無寸鐵而只不過在爭取公民權利的市民。事件被稱為「Bloody Sunday」。1983年，來自愛爾蘭的U2，把這次歷史上惡名昭彰的屠殺事件，寫成歌，唱出來，唱衰英國政府。早期的U2就是如此政治性，處處跟權威對著幹。U2沒有因為唱衰政府而遭封殺，他們的聲音更由英國傳到去美國，終於成為偉大樂隊……這是後話。我不喜歡九十年代打後的U2，但早期的他們，倒是真的在用搖滾去回應時代反權威。

——From《War》

14.New Order《Blue Monday》(1983)

一切，是來自一次人為的錯誤音樂實驗，但錯得來，感覺竟然是超出預期的不俗，於是照用。很多年後樂隊主唱Bernard Sumner便說，《Blue Monday》只是一場技術實驗，根本算不上是一首歌，佢本人就超憎。佢幾憎都好，《Blue Monday》卻肯定是New Order最著名的舞/歌曲，既是對美國disco scene的一次重要回應，也是八十年代英倫流行樂壇Synthpop熱潮的啟蒙。封套包裝也是經典，是由Peter Saville設計的電腦磁碟，成本高昂，直情賣一個蝕一個。

——From《Substance 1987》

15.The Smiths《There Is A Light That Never Goes Out》(1986)

怎樣才是書寫愛情的最美歌詞？The Smiths主唱Morrissey這樣寫道：「To die by your side is such a heavenly way to die」，在後千禧愛情經典《(500) Days of Summer》裡，也成為聯結起Tom和Summer的主題歌詞。The Smiths很多作品都動聽，都把青年在成長面對的陣痛寫了出來，唯獨《There Is A Light That Never Goes Out》，把情愛提升到一個——連我都唔知點形容的崇高境界。

——From《The Queen Is Dead》

16.Nirvana《Smells Like Teen Spirit》(1991)

Morrissey的青春滿是患得患失的美麗，Kurt Cobain的青春只有——虛無。不要計較成敗得失因為我們已經不知道成敗得失是甚麼，沒錯，生活就是一場虛無的演習，但，無所謂啦。Kurt Cobain成為後嬰兒潮的代言人，明明成為搖滾巨星卻依然爛身爛勢；而當一個最虛無的人突然可以擁有全世界時，他的選擇，就是往自己嘴巴吞一粒子彈。虛無，原來是一把能置人於死地的槍。

——From《Nevermind》

17.Radiohead《Creep》(1992)

真正宇宙巨band的經典歌曲，卻是樂隊主將Thom Yorke的一次懦弱式夫子自道。一個自認為比所有平凡人都要平凡的可憐蟲，面對異性，束手無策，可憐蟲終於把自己貶為怪胎……灰暗的主題，卻因為Jonny Greenwood偶然在進入副歌前加入的幾下結他巨響(他說因為他實在討厭首歌太靜)，注入力量；歌詞中的可憐蟲還是可憐蟲，Radiohead卻因為這條可憐蟲而受世人關注。他們7月來台演唱時，會唱《Creep》嗎？

——From《Pablo Honey》

18.Oasis《Live Forever》(1994)

Oasis常被認為最叻抄嘢(尤其是向The Beatles抄)，歌詞寫得普通夾渣(他們曾幾何時的死對頭Blur便比他們好上N倍)，Noel的結他造詣又不如傳說中咁勁——但這首《Live Forever》確是無敵，長青旋律配合簡單結構配合顯淺歌詞，便提供了一種澎湃生命力。寫搖滾歌曲不等於寫博士論文，不一定需要長篇大論引經據典，直接，才是最重要。

——From《Definitely Maybe》

19.Pulp《Common People》(1995)

Jarvis Cocker填的每一首歌詞，都是一則故事，都是他審視社會現狀後的一次夭心夭肺報告。《Common People》在說的，是貧窮，卻透過一個富家女去側寫——這個富貴女含著金鎖匙出世，不知貧窮是何物，所以想去體驗貧窮，跟貧窮的人相愛和上床，最後她發現：貧窮原來很酷！(poor is cool!)其實，富家女由始至終都明白，她可以隨時脫離貧窮回歸富麗堂皇生活……咱們香港大把呢類人吧。

——From《Different Class》

20.Tortoise《Djed》(1996)

20分57秒。純音樂。沒有歌詞。自然也沒有vocal。芝加哥樂隊Tortoise用這首搖滾長篇樂章，示範了Post-Rock是甚麼一回事，以及可以發展到哪一個深度。千禧打後的搖滾，其實一直都是在模仿舊時代，再沒有「新」的東西被製造出來——Post-Rock，已經算是截至目前為止，最後的一次搖滾變革。這門音樂，注定不會成為流行事物，《Djed》也從來不是甚麼金曲金獎，但流不流行金不金曲，跟不朽是兩回事。

——From《Millions Now Living Will Never Die》

．以上選擇，都有參考過以往一些由外國音樂雜誌做的選舉，但點都滲雜少少主觀意願。所以，或許你也會有屬於你自己的20張選擇。

http://www.am730.com.hk/article.php?article=88671

如果命運能選擇，我依然選擇搖滾

2012-01-05T17:30:00.000+08:00

Woodstock。如果有平行時空，但願另一個我曾經去過。

看著《天與地》那場Rock Fest，我冇喊，卻想起唸中三時的某日放學後。

1990，第一張買的搖滾專輯
那天，用銀包袋住的整整一星期零用(其實也不過是一嚿水)，買下The Beatles的《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》CD。這是我有意識地去買的第一張搖滾專輯。
點解買？年少無知的時代，到了某個moment就想為自己找個定位、或不同，讓注定平平無奇的自己顯得有點不同。咁點解買《Sgt. Pepper》？只是在無聊揭中三年級音樂課本時，看到有關這張專輯的介紹，說專輯在音樂上、錄音上怎樣破格——嗱，請注意，音樂課本容得下的，往往是那些舒曼舒伯特(絕對無意貶低這些古典名字，只是當年的音樂miss令我超憎上音樂堂、超憎古典樂)，但居然咁俾面提及《Sgt. Pepper》，這安排令我覺得呢集碟肯定有啲嘢。
令我付出整整一星期唔食晏晝飯代價而換來的《Sgt. Pepper》，基本上，我是完全唔識欣賞的。

1995，第二張買的搖滾專輯
第二張有意識地去買的搖滾專輯是《(What's The Story) Morning Glory》，Oasis 1995年出品。那年我剛升上大二。
點解買？為溝女。點解買呢張？想溝的女是Oasis粉絲嘛。咦，這故事我好像曾經寫過，不贅了。
女，自然是溝不到，但這張《Morning Glory》，卻成為我之後十幾年愛上搖滾的——好聽啲是契機，難聽啲便是孽緣。由那年頭的Brit-Pop，上溯九十年代初征服英美的Grunge，又同時追聽世紀末盛行的Nu-Metal，因為Nu-Metal而開始學聽Metal，由Thrash Metal轉至嘈到核爆的Death Metal……後來，人開始有點懷舊，想追本溯源，於是聽番六、七十年代的Classic Rock，如Pink Floyd、Led Zeppelin、Black Sabbath、The Doors、The Byrds、Jimi Hendrix……The Beatles。終於，再一次拿起那張《Sgt. Pepper》。這次，聽到了中三那個放學後我聽不到的東西。
不是執人口水尾，而是真的用自己一對耳，聽出樂隊四人在錄音室苦戰129天的熱忱和智慧。
原來發現的喜悅，是足以令人淚崩的。

當搖滾變成習慣
以上不過是一個普通月巴人的搖滾自述。相信，每個愛聽搖滾的人都會有自己的一個故事，還應該比我更動聽更有教育意義。
你問我搖滾是甚麼？其實我唔知點答。熱愛的可以把它無限放大，放大到當成一種改變世界的普世價值；討厭的，可以純粹認為是好嘈和鬼殺咁嘈(其實，不是所有 Rock Song都嘈)。
或者咁講吧。每個年代的創作人，對所處時代都應該會有感受，這些感受，刺激著他們創作，而完成品，則是他們對時代的回應(有些回應比較能直接入屋，有些則較迂迴，不是大眾一下子就能接收)。不同界別的創作人，用著不同的語言回應時代：詩人用簡短的文字，作家用長而不冗的文字，導演用影像，而搖滾樂隊則用音樂和歌聲。搖滾，是一種表達方式。
搖滾不一定地下，也可以成為流行事物，問題只是，有些人會純粹因為「流行」兩個字而樁個頭埋去。而有些樂隊，則亂咁動用這種表達方式，化成外在姿態，去呃人，賤格程度就像那些邪教教主(近日舉行的樂壇頒獎典禮，這類賤人經常會在鏡頭出現)。
現在，我還是keep住聽搖滾，不是為與別不同，更不是為溝女。只是當成一種習慣，習慣了用搖滾這面鏡，去觀照時代，兼夾照妖。
如果你看了《天與地》後發現受搖滾感召，那麼，快點去買你的第一張搖滾專輯吧。
如果命運能選擇，我依然會在中三那日放學後，付出一星期零用錢去買《Sgt. Pepper》。

令我不安十三釵

2011-12-29T17:23:00.000+08:00

普天同慶聖誕節我去了看《金陵十三釵》，事後極其不安。不安是因為內心充滿了疑慮。

男性暴力世界下的女性
這是一齣戰爭片嗎？
不然，為甚麼一開場會慘烈地打足大半粒鐘？這場戰爭戲碼的長度和慘烈程度，是為了交代日本侵華時，中國人是幾咁不屈不撓和無懼嗎(同一時間也反映了日本軍隊那坦克是幾咁強悍)？坦克刀槍不入嘛，勇敢的中國人一於把炸彈綁在肉身上，衝埋去一鑊熟！點知，炸完了一架，原來仲有另一架……
但大規模戰爭場面就只有開初的那一場。
片裡出現的人只有三種：中國人、日本人和美國人。中國人是受害者/犧牲者(裡頭出現的中國人角色，統統都是忠的，就算那個疑似漢奸的物體，講到尾也不過是為了救走女兒，才委曲求全罷了)；日本人自然是變態的施害者(但施害者陣營中，竟存在了一個好似仲有少少人性的日本軍官)。
至於美國人，如果冇數錯，就只有蝙蝠俠Christian Bale和他的那個只出了一場戲咁大把的朋友——由於太少戲，唔算數，那麼，Christian Bale就是當中唯一的美國人代表。
電影是小說版改編，最大改動，據說是給Christian Bale演的那個「神父」加重了戲份。他由一個純粹為了錢的美國人，在親眼睇住日軍怎樣兇殘地蹂躪中國未成年女性後，進化成一個人道主義代言人。張藝謀導演是基於甚麼原因，把電影重心押在這麼一個美國人身上？是為了開墾美國票房？是為了方便提名奧斯卡？
還有，不像中國人以命搏命式的大無畏，也不像日本人退化到近乎禽獸的張牙舞爪，Christian Bale/美國人無疑有點滑頭，卻是全片裡唯一不用武力的，純用智慧就拯救了一批中國女學生。
但電影可不是由Christian Bale的男性視點切入。真正提供視點的，是那名有個疑似漢奸老竇的女學生孟書娟。
她全程窺視著Christian Bale，窺視著那班擅自闖入學校的妓女，也窺視著Christian Bale和妓女玉墨的打情罵俏和言語角力(張導真的拍成她不時在偷睇別人)。後來，當那班秦淮河風塵女子慷慨就義，決定替代女學生前往日本軍營「送死」時，張導安排了一場戲：由於她們身材都太火爆，就算著上校服也好易穿崩，惟有用布條緊紮著豐滿的胸，而孟書娟，就邊看著面前那一具具煥發異樣成年美的軀體，邊透出滿臉的驚奇和艷羨。
在一個由男性構成的殘酷世界，一個女子以形而下方式思考、觀察著成長的美麗與陣痛。
這不是齣戰爭片。這是齣側寫南京大屠殺下女性成長的電影——是嗎？

如果把故事主角換成猶太人和德國人……
不是選擇遺忘，但我的確不愛戰爭片，或base on某場歷史真實發生過的戰爭而拍成的電影。
電影一旦涉及史實，你就不可能客觀處理，必須有個「立場」，去把史實呈現。
出品人張偉平說，《金陵十三釵》著重刻畫的是中國人不屈不撓的精神，不管是中國軍人、風塵女子還是普通老百姓，都有不屈不撓、捨生取義的精神——電影給我呈現的，是中國不論男或女，只能以血肉之軀去反擊(男的綁上炸彈，女的身上沒有炸彈，但在男人角度看她的肉體無疑就是具原始武器)。
張偉平又說：所謂「國恥」、「屈辱」都是過去的事了。那段落後挨打的歷史，對中國人應該是一種激勵。因為有國恥，才有奮進……
在中國已是強國的年代，能夠做的，就是動用上6億人民幣製作費，請來荷李活一線男演員，把歷史上的一次「國恥」，以最華麗方式拍給自己人看，拍給外國人看 ——張偉平說，外國人只記得猶太人是二戰受害者，對同樣蒙受災劫的中國人卻不重視。「如果把《金陵十三釵》的故事主角換成猶太人和德國人，那就是奧斯卡獎的大熱門，能拿七項以上奧斯卡。」內地票房方面，資方的目標是10億元人民幣。
明白晒。不是南京大屠殺的史實令我不安，而是呈現史實的方式和心態令我不安。

ROBOCAT 63：堪稱2011最不堪回首的回憶。

2011-12-29T17:20:00.002+08:00

前北韓人的北韓生活記憶

2011-12-23T21:21:00.000+08:00

近日迷上了南韓產物「少女時代」的我在諗：如果把她們求其一隻MV，在北韓清津市播放，殺傷力，會否強如投放一枚核彈？

清津人民的記憶
從來只知道北韓有笪地方叫平壤。直至看了一本書，才知道清津。
看這本書，完全是因為金正日終於死了。
《我們最幸福：北韓人民的真實生活》(Nothing to Envy：Ordinary Lives in North Korea)，是美國記者Barbara Demick的一本訪談集。訪談對象，是六名離開了北韓的韓國人。
Barbara Demick沒有把訪談內容，如流水帳般鋪陳出來，反而是把這六名有老有嫩、有男有女的前北韓人，有關北韓清津的生活記憶，撈埋一堆，夾敘夾議，串連成一本以口述歷史作根本，同時側寫北韓在金氏王朝統治下的實況。
作為(北韓政體最恨之入骨的)美國人暨美國記者，Barbara Demick即使再忍手，總也有按捺不住的時候——以一個資本主義自由富庶國家人民的態度，去審視、或插一插這個「敵人」。
還有，Barbara Demick是特登選擇活於清津的前北韓人作訪問對象的。沒錯，清津是北韓第三大城市，但對比(被官方)作為唯一面向世界的平壤，其實窮上N倍。
在我這個既不是北韓人，也不是美國人的人眼裡，這本訪談集，竟比很多情節更錯綜複雜奇詭的推理小說，還要好看。而因為真的好看，看得很快。
我居然覺得好看？這其實很大鑊。

旁觀他人的痛苦
這畢竟是一本訪談，內容都是根據被訪者所提供的內容寫成(即管我相信Barbara Demick有做過一點潤飾)；當中沒有一個被訪者，會說昔日在北韓清津、不受資本主義或帝國主義玷污的生活是幾咁愜意，有的，只是捱餓捱餓和捱餓；能源嚴重短缺，沒有電燈照明(主要的電力都被用來永恆照亮著金日成的雕像和沙龍)，夜裡的清津是完全暗黑的——但反而因為夠黑，形成了一個場所，方便了男女偷偷地談情說愛(據說在那兒男女是不准公開拖手親熱的)……
沒有了昔日的階級鬥爭，就以為人人真的平等？傻的嗎，因為已換上了另一種更加不公的階級分布法，只要你被劃分成某階級(劃分是根據你的成長背景釐定)，你的階級成分便會世襲下去，你是賤民，你的子孫直到永遠都只能是賤民。
於是他們開始相信：他們是被有系統地欺騙。
對極權主義的預言書《1984》，內容絕對殘酷，但再殘酷，始終是喬治．歐威爾虛構出來的。《我們最幸福》當中的殘酷，卻是由在北韓真實地長時間待過的人所透露的。
我原來在旁觀他人的痛苦。
而且仲居然覺得好睇。我本人也很殘酷。

選擇偶像的自由
金正日死的消息公告天下前，在電視看到一個南韓音樂界的頒獎禮。少女時代、Super Junior，還有很多我根本不認識的南韓明星，結合成一個極度星光熠熠的場面……
「自由」的其中一種演繹，是我們每個人都有權去選擇自己真心喜愛的偶像。
看著電視上播著北韓人聯群結隊在為金正日之死而哭，想到《我們最幸福》裡的一個段落：1994年金日成死，全國哀悼，有個5歲小女孩被老師(其中一個被訪者)發現把口水搽在臉上，配合表情，全程在扮喊，事後小女孩為自己解畫：如果不喊，母親會說我是壞孩子。

ROBOCAT 62：今天的唯物論信徒一樣會用資本主義的方式慶祝聖誕。

2011-12-23T15:08:00.000+08:00

第六十一回。強國容不下正義。

2011-12-22T15:52:00.000+08:00

在Dying的時代，為甚麼要用眼睇《天與地》

2011-12-21T16:06:00.002+08:00

據說，《天與地》被喻為「Cult劇」。人吃人，cult。冇對白，也cult。在電視劇營造電影感，更cult。
甚麼是cult？好難試舉例說明之，但似乎對現代人來說，當遇上某事物是有異於平常見慣的，就是cult。
於是，《法證III》張可頤住家布置到成間夜總會咁，正常；《萬凰之王》出現一座CG紫禁城，也很正常。對比起來，《天與地》首集的陳豪家竟然是實景？cult！那場陳豪與邵美琪在八號風球的街道上享受打風的樂趣(而又沒有用上CG來處理)，也cult！角色統統唔鍾意講嘢乜都收收埋埋擺喺心度，極 cult！
這類cult例可以無限地數落去。
《天與地》之所以被說成是「Cult劇」，主要還是跟近年黃金時間播出的劇集不同。但《天與地》真的cult嗎？
一齣有質素、尊重觀眾智慧的劇集，不是本應拍成這麼樣的嗎？

先旨聲明，我不是戚其義粉絲。
他主理的《金枝慾孽》我一集都冇完整睇過。那些《天地男兒》、《火舞黃沙》、《珠光寶氣》、《飛女正傳》等等等等，一樣，冇睇過就係冇睇過。所以，請信我，我絕不是因為這個監製的(亮麗或不亮麗)往績，今天才會去看《天與地》，而是因為，一場戲。
剛出席完陳豪婚宴的阿佘，據說飲大咗，伏在枱上沉沉地睡了。陳豪、林保怡和黃德斌先後來到，在已經感受不到半點所謂婚宴喜悅的空蕩蕩現場，摺起紙飛機來，紙飛機在阿佘頭頂或低飛或掠過，然後，她紮醒，崩潰地哭了起來。
沒有對白，那股谷了好久的成年人孤獨力量，卻爆了出來。在一切內心感受都需要對白旁白才能成功傳送給電視觀眾的年代，戚其義的天與地之間，寂靜，竟是最有力的對白。

不能齋聽的劇集……
TVB的劇已變得很能照顧忙碌觀眾的需要。
期間，你大可以洗碗、煮飯、上網、打機、去廁所或做任何事——只要你能夠空出一對耳，而距離又不太遠的話，便可以憑著聽對白而明晒劇裡的恩怨情仇了。
像《萬凰之王》結局篇那晚，我明明忙著打邊爐烚肥牛，但胡杏兒那充滿澎湃感情的唸對白方式，便讓我明白到她怎樣在宣萱勸服下，為了大清江山而去勸謀朝篡位的愛人陳山聰收手，到最後，又怎樣為了愛情而選擇了自殺——當然，我不會知道杏兒的確實自殺方法，但斷估，是用某種利物一嘢拮落自己身上的吧，因為我清楚聽到了一下拮嘢入肉的效果聲響……
《天與地》就太過不照顧觀眾了。
劇集播放時我絕對不能夠行開唔睇，不能單用雙耳去聽，因為劇中人都被設計成唔鍾意開口的，總把感受收埋喺內心的最深處，往往藉著行為和眼神表達出來，例如：陳豪把頭挨在枱上看著醉了的佘詩曼；患有眼疾的黃德斌合埋雙眼炒餸；林保怡剁幾分鐘肉餅似要剁到直至消失天與地……
但就是這麼一齣《天與地》，叫習慣了用耳去睇劇的我們，重新的，把雙眼張開。

演員的存在變成只為了唸對白
近年(被認為)的成功劇集，都有著高潮迭起的情節。
怎樣展現那高潮迭起？每一節臨播廣告時，來一個小高潮，話俾心急觀眾知下一節會有料到；每一集臨播完來一個中高潮，等觀眾下一晚準時收看；大高潮則留在星期五那一集最後一節，要觀眾吊癮吊足周六日，到星期一乖乖的坐定定睇。
高潮迭起的情節，要靠高密度對白營造。於是，現在的劇集角色順理成章地，都好鍾意講嘢。演員主要作用就是去講對白——七情上面地講對白，遇上一些有望成為「金句」的對白，更加要落足力去講(就算明明得自己一個對住部電腦打字，都要運用感情豐富的腔調，把自己打的字講出來)。角色，是交代高潮迭起情節的載體，像《法證先鋒》那一整team法證人員和探員的存在，不過是作為交代案情的陳述者，至於性格個性，只是種方便陳述情節製造劇情衝突的添加劑。

怎麼樣的人，才會做出怎麼樣的行為
當大部分劇集在建立情節，《天與地》卻在建立人物。
因為，行為是由人物做出來，而怎麼樣的人物，就會做出怎麼樣的行為來。當觀眾一早得悉人物的心態個性，便會明白他的行為，行為具備了合理性。
林保怡食齋不是為了健康，而是那永世難忘的一天那口塞在嘴裡的人肉，令他怕了肉，更怕的，是要面對昔日那個吃掉朋友的「我」。
只管在建立情節的劇集，人物是依附劇情而存在，他們之所以變化，純粹是因為劇情需要變化。
《天與地》的劇情也有變化(即使對很多久經訓練的視迷來說絕不算劇力萬鈞)，卻是基於人物本身出現了變化。
一個年少無知時曾經坐擁夢想的青年，為生存可以吃掉朋友；一個投身工運的熱血人士，也可在明白人吃人世界運作的真實法則後，頃刻間變成一個賄選議員——而以上種種，統統是構成林保怡角色的基因。
是他也是你和我，組成一個人的基因是複雜的。

搖滾核心價值
其實，香港人是從不認真看待搖滾的。六十年代的Woodstock、七十年代的Punk浪潮，對我們，大概是來自另一個幾百光年以外行星的故事。
在香港，搖滾便是Mr.。
《天與地》令我最驚奇的，是居然夠膽用搖滾作為「background music」。
過去港劇對搖滾這回事，不是片面描述為青少年尋覓理想的純真行為，就是一種為反叛而反叛的激進行為，對於搖滾的核心價值，從來沒有掂過。
冇錯，歷史已經印證了N次，搖滾絕對不能改變世界，即使不少年輕的或曾經年輕的人，都曾被徹底地呃過。但搖滾還是有其作用——藉著音樂，叫還沒被社會擊倒的年輕人放膽，公然質疑眼前的世界。
當陳豪和林保怡吃過人肉，掙扎求存下成為大人後，他們已經不再相信(昔日那個相信)搖滾(的自己)，對殘酷世界除了質疑，更重要的是摸熟規則，戮力地生存下去。
在《天與地》裡還相信搖滾的，是Joe Junior飾演的Dr. Dylan(我真心認為，這個名字是對搖滾詩人Bob Dylan的一個暗示和致敬)。
所以，Dr. Dylan才能心水清地、真誠地說出他對這個世界的諸種質疑，同時成就了近十年來出自劇集的、最具力量的對白。現代人只會信奉一種價值，而這種價值人云亦云，人人都在努力爭取成為同一個模樣的人。這是存在主義關注的其中一個地方(即使存在主義的盛行已是上世紀初的事)，在龐大的權力架構之下，現代人沒有了獨特性，任何人都可以被另一個人代替。

與角色呼吸同一個時代的空氣
道聽塗說，《天與地》因為很多原因變成擺足兩年的倉底劇。
當日那一名勒令收埋《天與地》的高層(如果有的話)，真的想向你講句：多謝。因為你的一個(基於唔知甚麼原因所作的)決定，令這個港劇近乎已經與時代脫了節的時代，至少還有一齣《天與地》——當然，撇除古裝劇不計，時裝劇裡角色的穿著都是走在時代尖啄的，還大量使用最新的科技產品，一點都不跟時代脫節，只是他們似乎都活在一個異世界，或一個平衡世界——查案式劇集的人只會犯案和查案，家族恩怨式劇集的人只會爭產和你我互鬧互摑，時代？跟他們完全無關。
但回看七、八十年代的時裝劇，卻是在回應時代，所以有血有肉，角色是真實的，你會感到裡頭的角色真的存在，跟你呼吸著同一個世代的空氣，而不只是個生安白造出來的假人。(像《變色龍》便是邊播邊拍，方便把現實的事件放進去劇集裡。)
Dr. Dylan便給予了我這份感覺。編劇為Dr. Dylan安排的那段對白，大概是在回應兩年或很早之前的香港。兩年後劇集重見天日了，離奇和悲哀的是，那段對白在今時今日竟然依然適用，而且隨時更加適用。
香港的電視觀眾曾經是有智慧的，但不知道甚麼原因，他們被訓練得蠢了。
香港的電視從業員也曾經有智慧，但不知道甚麼原因，他們都被搞蠢晒了。
電視劇是一場娛樂，不一定需要「文以載道」(與其看擺到明「文以載道」的劇集，我寧願睇/聽多十次《萬凰之王》好了)，但娛樂也不一定純粹為求笑一餐，偏偏現在大部分劇集看在很多人眼裡都變成一齣笑片(近年讓我笑得最勁的是《富貴門》結局篇)，well，這是觀眾太渣還是劇集製作人更渣？都唔知咯。
《天與地》絕不是一齣革命Cult劇。她的存在只是讓我們醒番起：劇集，本該如此。

這篇文原定於上周一刊出，但……最後拖到一星期後有多才獻世，只怕裡頭一些觀點，已被別人寫過，出現執人口水尾的感覺。

第六十回。強國嚴禁的衣著造型。

2011-12-19T15:34:00.000+08:00

ROBOCAT 59：童話就是用來呃細路。

2011-12-16T16:34:00.000+08:00

2011的天與地，好彩還有黃貫中

2011-12-15T20:29:00.000+08:00

大抵Beyond的歌對任何人都有著不同意義。

在酷熱工廠怒唱《長城》的我
而對於不是Beyond粉絲的我來說(不是粉絲不代表不喜歡他們)，是在某一年夏天，為我宣洩了一點過剩的鬱悶和憤怒。
那一年，中五會考過後，擺在面前的是一個無盡空虛的暑假——既不知道考成點，也已經沒有任何補救方法可以去做，唯一可以做的，是暑期工。
經勞工處轉介，我和同學到了火炭一間蠟燭工廠返工。簡介上明明寫著「冷氣廠房」，但真正有冷氣的，只是裡頭那間讓西裝友和OL享用的office，我這類最低級員工，就在外面的酷熱廠房，天天面對住唔知幾多度的蠟燭溶爐——這還不止，仲要做埋苦力，每周上落各兩次貨，其中有些叫石蠟的物料，每包50磅，而閒閒哋每次都要搬上50餘包……
我沒有怨甚麼。只是每當看見某高層那身光頸靚、跟我同齡的仔女，在廠房拿著蠟燭格著劍時，真切感受到一種經由階級所衍生的不公。
當時唯一娛樂是聽收音機。那個夏天，家駒還在，Beyond正在plug《長城》，每當家駒唱到「蒙著耳朵/哪裡哪天不再聽到在呼喊的人」，我便忍不住跟住嗌，彷彿要把心裡所有憤怒和鬱悶和委屈嗌晒出來。
這是搖滾的力量？我不知道。

在荒唐無聊盲目世界的黃貫中
在八十年代香港難能可貴的一次樂隊熱潮，我投進Radias懷抱。Radias推出了一張ep和兩張極高質的專輯後，他們拆夥了。達明和Beyond是完全不同類型的樂隊，我不是任何一方的死忠，但雙方的歌一直都有聽。
家駒離去，我有不開心；有人說沒有家駒的Beyond變了質，我又不覺得，三人在滾石時代發表的專輯，我依然認為是九十年代香港樂壇代表作，《Sound》和《不見不散》更是我的all time favourite。
三人獨立後，依然有聽，但不深刻。我一度以為他們，或黃貫中迷失了。
直至《天與地》，令我再一次渴望黃貫中。
劇集是否在影射Beyond，我覺得不重要，也實在不用把劇中角色跟現實中人對號入座，重要是由黃貫中主理的主題曲和片尾曲。再一次讓我聽到「火」。
大佬，這才是主題曲啊。主題曲絕不是搵阿豬阿狗求其一個來唱都可以的啊。而當劇組能選來這麼一首主題曲和片尾曲，劇集質素也應該有個保證——但世事就是這麼離奇，《天與地》收視竟持續低迷。
一廂情願以為黃貫中新專輯《A小調協奏曲》會收錄《天與地》和《年少無知》，點知原來是冇的，但不覺得被搵笨，甚至認為在不知所謂的2011年將盡之時，能遇上這張專輯，是一個補償式bonus。
對於這張專輯，音樂類型的拆解是不重要的，黃貫中還是以最本格的hard rock，面向這個荒唐無聊盲目的世界，提出質疑。至於質疑了甚麼，不用逐一述說了，只要看看歌詞便可一清二楚，反正黃貫中的歌詞從來不玩扭擰的修辭，又或多餘的隱喻，一切都是直筆甩的。
裡頭有粵語歌、有國語歌，我偏愛粵語部分，但不代表國語的差，純粹因為當那些詰問和質疑是以一種自小熟悉的語言訴說出來時，作為聆聽者的我，會接收得更直接，也更受力。
專輯以兩首純音樂《AM900序曲》和《顛倒》來作開首、壓軸，在我，是全碟最最最最最精彩部分——音樂不一定需要歌詞，正如劇集也不一定需要對白，有時情緒的宣染，就是應該不立文字。
Hidden Track《故事》，如果你是Beyond迷的話，自然會明白黃貫中在思念著遙想著甚麼。再多說，就是矯飾。
我們香港人從不曾認識搖滾，卻一直被很多偽搖滾荼毒著。搖滾絕不是空擺出一副懶型的姿態。
黃貫中大抵不會在那些樂壇頒獎禮獲頒甚麼重要獎項，但不打緊，正如《天與地》一樣，冇份在馬戲騷爭奪那虛無的榮光。

ROBOCAT 58：豬拳vs狼拳

2011-12-14T18:40:00.001+08:00

ROBOCAT 57：豬vs狼，狗vs狗

2011-12-12T16:24:00.000+08:00

給（牛頭角街坊）萬凰之王的信

2011-12-09T16:00:00.000+08:00

尊貴的萬凰之王：

Firstly，請恕賤民的罪。這封信原本是打算寫給法拉的。
不瞞妳，賤民有眼不識泰山，在妳和法拉之間，我是選了法拉做視后的。
原因？其實很膚淺。我真心喜愛頒獎禮當晚法拉那襲緊貼著嬌軀的金色戰衣——嗱嗱嗱，我絕不是說妳的黑色晚裝不好看，只是晚裝上那充滿了霸氣的黑色羽毛，總叫我想起為Natalie Portman贏得奧斯卡小金人的，《黑天鵝》。
不知道妳有沒有看過那齣電影？但既然做得「萬千星輝最佳女主角」，自然會爭取每個機會觀摩鑽研別人的演技吧。所以，當你有睇過啦。
賤民如我有看《黑天鵝》，是因當初誤以為是齣少少鹹的驚慄片……但原來不是。
這是一個悲劇。一個在述說演員怎樣在努力開發、釋放自己期間，讓潛藏著的本我，佔據（每日用來應付繁文縟節的）自我，從而成就出一個真正演員來，把藝術生命完美地complete的悲劇。
悲在當Natalie Portman完成了這麼一個美的藝術歷程時，佢連自己都隊冧埋。
於是當看見妳那件鋪滿黑色羽毛晚裝裙，我便忍唔住諗：在雍容華貴爭妍鬥麗的背後，是否還存在了一個隱喻？一個可能連Bosco都未必拆解到的隱喻？
我絕不是懶清高和有品味，但真的不常看TVB劇，只因播劇的黃金時間我通常開緊工。所以，妳過去的演出我幾乎都冇睇過。
但我倒是知道，民間一直在用一個字，來形容今時今日已成為萬凰之王的妳的。
囧。
一個可能連古往今來智者哲人都解讀不了的字。
偏偏卻是一個民間對妳做戲時表情的具象形容。
Sorry，我笑了。沒辦法，在尊貴者身上找笑點，從來都是賤民的最高免費娛樂（所以，即使很多人口口聲聲話唔想見到那些特首競選人，但其實口不對心，因為他們每次出現，都一定會為民間製造笑位）。請恕賤民的罪……
當妳被捧為甚麼視后大熱時，好多賤民都覺得有冇搞錯吖，而那年少無知的巨肺女歌手G.E.M.，更被揭原來曾在網誌留下甚麼若見到妳做視后會打爆電視的妄語。
妳真的成為視后了。結果，坊間主流聲音一致讚好，而成長了的G.E.M.也表示妳當選一刻，佢並沒有打爆部電視。
而我，在妳力壓一眾花旦奪得最後勝利的前一晚，看了《萬凰之王》大結局（因為是禮拜日我放假）。
由妳為保大清江山，怎樣力勸愛人陳山聰收手而賜毒酒（好奇怪，這齣清裝劇涉及好多有關毒酒的情節），到最後怎樣為了愛而選擇自殺，我真的看到，妳在落力去演。
只是，落力不一定代表好，而囧，往往也是太落力的後遺。
沒辦法。在這個要求餅有餅味、雞有雞味的怪異年代，所謂演技，似乎也變成被要求為：傷心要喊，好傷心要大喊，勁傷心就要勁喊，很外在，很形式化；我們從演員身上看到的，就只有所謂「交足戲」的表情，而不是在背後作為成立那外在表情的，內心。
這可能涉及觀眾質素，也可能緣於製作人的水平——又或是兩相配合下，令這一代的演員以為做戲就是這麼表面的一回事。於是妳的所謂囧，可能根本是，社會的錯吧。
當晚妳那一襲黑羽戰衣，卻似在代妳公告天下：昔日囧囧的妳，已經不再存在。妳已經由一個囧囧演員飛升成為萬凰之王。事實是，那夜在頒獎台上，妳以為無望再攞視后的錯愕，以及最後因奪了視后而對Bosco說的情話，如果一切都是在演戲，妳的演技，就真算是突然間以光速在進步——但我不認為是，那些，都應該是妳發自內心的真情流露。
妳的內心終於被彰顯了。
不瞞妳，我是依然比較like法拉，但也冀望，那一夜過後，妳可以把囧放開，成為一個演員。

ps.我後來才知道，妳在牛頭角長大，小學是在柏德學校唸。住在上邨的我也考過柏德，但考唔到，於是入了附近的聖鮑思高。如果當日考到，可能會是妳師兄。又或，我與妳曾在牛頭角擦身而過吧。不過一切都不重要了。

ROBOCAT 56：誰是智者？誰是智者？

2011-12-09T15:51:00.000+08:00

ROBOCAT 55：珍禽特首異獸戰

2011-12-07T19:23:00.000+08:00

ROBOCAT 54：請搞清楚，蟻民冇得選㗎。

2011-12-07T19:21:00.000+08:00

誠意推薦兩隻碟

2011-12-06T21:06:00.000+08:00

聰明人做聰明事；

美麗的人唱美麗的歌跳美麗的舞。

ROBOCAT 53：不撚想再見撚到戲屎的當奴和一眾撚屌高官在交戲；不知民間疾苦的議員們亦唔該咪撚盡說些白癡方案。

2011-12-02T17:46:00.001+08:00

現實的智慧，超現實的美麗

2011-12-01T17:31:00.000+08:00

現實太現實，有時真想生活有點超現實。
我說的超現實，不是撞邪，或見鬼(即使兩者都擺明好超現實)。

大角咀妖夜慌踪
有個無聊習慣。夜深，選一條從未搭過的巴士線，搭到去總站，落車，亂咁行。那種置身陌生地方的感覺，我自以為，好型。
唯獨一次，瀨了嘢。11年前，我去到大角咀。落車那一刻，晚上11時30分。Firstly，竟然發覺周遭半條人影都冇——毗鄰旺角的大角咀畢竟是在市區嘛，不可能連半條人影都冇吧(如果現實中真的見到半條人影先驚)。
好彩，行了10分鐘後，終於見到「一條人影」了，登時放下心來。我的目的，是要從大角咀徒步行番出旺角亞皆老街，即使完全不熟路，心裡對正確方向有個譜，咁咪隨心而行囉。行了半粒鐘，才發覺自己一直在兜圈——因為又再遇上那「一條人影」。嗱，即使自問平生不作虧心事，但半夜三更失驚有人敲我門，我是會驚的，所以當時真有點拗底。
於是，便嘗試走相反的路，又行了半粒鐘……WOW！又試見到那「一條人影」！而那「一條人影」也好似認得我，一味望實我……恰巧這時有架的士路過，我作出了人生中其中一個最正確選擇：飛的。
當我跟司機說去亞皆老街時，他俾的反應是「吓？」，帶點嬲怒嗰隻。我不明所以，但5分鐘後，明晒。
唔使跳錶，5分鐘後，的士已把我安全送到亞皆老街。

超現實的現實依然是現實
我的超現實慌踪，大抵只是緣自我的零方向感。David Lynch在日常所構築的超現實，才是堅嘢。
《藍色夜合花》(Blue Velvet)的乖仔大學畢業生，回到自小居住、充滿五十年代情懷的美國小鎮，有一天竟給他偷窺到一個哀傷歌女，長年被一個又變態又暴力的惡人操縱，而這表面平靜祥和到極點的可愛小鎮，原來存在了一個外人無法察覺的不正常世界。這個隱藏的超現實國度，令畢業生既驚且恐，卻又為之著迷，一腳踩了進去。
《狂野的心》(Wild at Heart)的假釋犯尼古拉斯基治，跟一心脫離遭母親魔爪操控的女友，開展一趟充滿B片味的公路之旅，沿途見盡罪惡的兇暴，和兩顆心靈的脆弱，最後黐埋一班不法之徒展開大廝殺……逃出生天後尼古拉斯基治坐監。出獄後，發現女友正在默默守候自己。狂野基治再也忍不住，唱出二人當日訂情之歌、貓王深情的一首《Love Me Tender》。冇錯，五十年代的老歌。
以上其實都是碎料，因為都有顧及觀眾感受。到了《妖夜慌踪》(Lost Highway)和《Mulholland Dr.》，David Lynch的超現實之路走得更義無反顧。
先旨聲明，《妖夜慌踪》我毋疑是超鍾愛的，但真的睇唔明喎。至於一些話俾人知自己睇得明的人，我認為不乏在講大話的。甚麼？睇唔明學乜人鍾意？誰說要睇明晒先可以鍾意？我夠聽唔明「龍豬」講乜啦，但同星爺一樣依然相信佢時刻閃耀著智慧的死光……
《Mulholland Dr.》我又是超鍾愛。如果《Inception》是一套深戲，那麼，《Mulholland Dr.》就是一套深深深深深戲。《Inception》的真實和夢境，你分得到；《Mulholland Dr.》的真實和夢境，你分唔得到——事實是David Lynch一開波就冇打算同你講哪些是夢、哪些是真，甚至你把裡頭所有片段都睇成是真實，都可以的。超現實的現實，一樣是現實。
David Lynch，沒有顯赫出身，本來一心做個畫家；當導演後，從沒拍過一部blockbuster，但他的10部電影，10部都值得觀賞值得研究，而至少有一半，更注定是不朽的。

65歲仲可以做乜？
是甚麼原因令我突然想寫David Lynch這個65歲老人？
1.被潮流雜誌捧為今年終於come back的大熱街牌Supreme，跟這個老人合作推出了兩件tee，其中一件印上了《藍色夜合花》的經典一幕。我忍唔住買了。
2.被認為只識拍(人家睇唔明的)戲的這個老人，剛推出了debut album《Crazy Clown Time》，譜奏的不是五十年代美國老歌，而是迷離性感的電子樂曲！除了有他老人家親自出聲，還有相對很後生的Yeah Yeah Yeah主唱Karen O獻聲。
我忍唔住買埋。是甚麼原因令這麼一個65歲的老人，還可以如此這般充滿魅力？是他那依然走在最前、在現實中繼續探索的的腦袋。而對我們大部分人來說，65 歲的唯一現實，就是夠秤領取俾人食咗好多行政費的強積金。

．原本諗住下周做多少少準備後先寫，但尋日由中午12時開始，對住個「芒」，對到下午3點，依然諗唔到寫乜，但又趕住交稿，焗住寫。
．自問，寫得極西。實在對唔住David Lynch。Sorry。

ROBOCAT 52：男人的浪漫除咗豆腐火腩飯，還有天與地。

2011-11-30T13:55:00.001+08:00

為下一代史匹堡迷留下的備忘錄

2011-11-29T01:52:00.000+08:00

我已不是史提芬．史匹堡（Steven Spielberg）的粉絲，但我的成長，卻被他的電影佔領。
小學雞的我，在大人帶領下入戲院睇《奪寶奇兵》和《魔域奇兵》，永遠忘不了前者一開場那嚿大石和後者那個徒手挖出心臟的緊張核突畫面。至於《ET》那個BMX飛上半空、背後映照著月球的一幕，是小小心靈認為世上最美麗和壯觀的畫面。
就算升到中六了，《侏儸紀公園》腕龍那震撼的登場，還是依然放在心底的難忘電影畫面。
這個自小經歷父母離異的史匹堡，自小已想當導演，結果做到了，還成為了一個專拍大電影賺大錢的導演。他上世紀七、八、九十年代的作品，原來佔領了我們一整代人的喜怒哀樂和驚恐。
但總有因為《丁丁歷險記》才開始接觸、喜歡史匹堡的新一代觀眾。他們不會像我，擁有那些經由《奪寶奇兵》、《ET》和《侏儸紀公園》提供的畫面回憶。
如果你是從《丁丁》、或2000年打後才開始看史匹堡，這一篇，是特別為你而寫的備忘。
只想讓你知道：史匹堡從來都不是電影之神。即使他又真的創下過不少奇蹟。

不朽，三大系列
說的是《大白鯊》、《奪寶奇兵》和《侏儸紀公園》。這三個電影系列，最初都不是打算拍成系列作的；日後變成系列，完全基於商業目的。史匹堡執導時所抱持的「使命」，就是要令電影大收讓老闆賺大錢，而又因為史匹堡真的讓電影成功了，才令賺到喊的老闆，啟動續集模式。

1.令人不敢去沙灘的《大白鯊》
故事不是史匹堡原創，原創的是小說家Peter Benchley。在電影公司買入小說版權後，便放心交由當時才拍過幾齣電視電影的史匹堡去拍。
原著可說是一次對Herman Melville經典著作《無比敵》（Moby-Dick）的文本對照，但落到史匹堡手上時，這層意味已被減至接近零。
這是一次"High Concept"類型電影的成功示範：即是先假設一個現實情境，然後在情境內把故事說下去。所以，史匹堡要做的好簡單，就是：如果我們在夏日炎炎的游水旺季，面對一條咁恐怖的鯊魚時應該怎麼辦？基於（虛偽的）尊重，劇本初稿由Peter Benchley負責，但史匹堡不滿意，他可以改的都改了，改成純粹的一齣呈現鯊魚兇猛、以娛樂為大前提的電影——觀眾看電影時獲得的快樂，就是建基於片裡各人的痛苦之上。
在那個沒有CG的年代，史匹堡用原大的鯊魚模型（也有拍到真鯊魚的，但體積絕對沒有電影中那條咁巨，只是拍攝時就位而已），便成功吸引史無前例的大批群眾俾錢入場被嚇。事實是，《大白鯊》真的在群眾心裡植入深層恐慌，鯊魚從此被塑造成一種海洋凶器，那一年夏天，真的少了美國人去沙灘。
當初為電影提供了故事框架的Peter Benchley，甚至「良心發現」寫了幾本有關鯊魚真面目的非小說類書籍，若心孤詣地向群眾解釋番鯊魚其實不如史匹堡所拍出來般咁恐怖……
《大白鯊》後來拍了三齣續集，但史匹堡統統沒有參與。第二集還算OK，之後的可以不看。題外話，1979年列尼．史葛的《異形》（Alien），tagline便用了這麼一句：Jaws in Space。

2.二戰年代的《奪寶奇兵》
如果你有在戲院睇過，我諗，你會像我一樣忘不了一開頭那嚿差點把Indiana Jones碌死的石，和最後當約櫃被打開時殺盡納粹德軍的地獄景象……當然，現在我們都不會再驚，但這兩個經由畫面構成的記憶，卻是一生一世的。
故事也不是史匹堡原創，原創的是今時今日荷李活另一巨頭佐治．魯卡斯（George Lucas）。
1973年，躊躇滿志的魯卡斯有《星戰》的腹稿，另外還寫好了一個叫《The Adventures of Indiana Smith》的故事，但他（好彩）最終選擇了拍前者，為他賺來了此後一生的錢，和霸業。但魯卡斯對那個《The Adventures of Indiana Smith》念念不忘，於是找來了在當時已成為大導演的史匹堡，一傾，一拍即合——唯一不合的是主角的姓氏——史匹堡認為"Indiana"配上"Smith"這個姓實在好怪，魯卡斯便提出：如果改為"Jones"又如何？史匹堡立即贊成。
只是，由兩個當年已先後拍了blockbuster的大導演所提出的這個電影提案，因所涉成本太巨，不被大部分電影公司接納，最後才被派拉蒙睇中。難得拍到，史匹堡嚴格控制成本，例如一早便畫好晒storybroad，照住拍；每一個shot，頂籠4 take便收貨，不會一味嗌cut免得浪費寶貴的菲林……（而大量的點子，基於成本問題都沒有被採用，卻在續集《魔域奇兵》一一呈現。）
結果，史匹堡又締造了另一齣blockbuster，以及一個會賺錢的品牌系列，當中包括三齣續集電影、一齣交代少年Indiana Jones故事的電視劇，以及一大堆電視遊戲。不像《大白鯊》系列，《奪寶奇兵》的三齣續集一概由史匹堡執導。

3.史前CG奇觀的《侏儸紀公園》
故事再一次不是史匹堡原創，而是小說家Michael Crichton。
早在Michael Crichton把小說寫完而還沒正式出版時，不少荷李活片商和大導演已經睇中這個故事，一早就跟Michael Crichton合作過的史匹堡自然有份。最後，史匹堡如願以償。
Michael Crichton的原著，是對當時大肆流行的DNA研究的一次反思，而在史匹堡的一雙娛樂之手操控下，一切反思，都必須經由充分娛樂性來達至，這一次的娛樂性，來自人類僅聽過名，睇過圖和骸骨的史前恐龍。
如果你有在戲院睇過，我諗，你會像我一樣忘不了當那隻巨大的腕龍（Brachiosaurus），在你面前如大象般提起前足時的宏偉景象……而這明明不是真實的，是用CG砌出來的。
跟《大白鯊》同樣，《侏儸紀公園》也是一齣"High Concept"類型電影，以"what if"來造文章，而且，更是一次CG運用的典範。當《大白鯊》裡的鯊魚說穿了不過是一件模型時，《侏儸紀公園》裡的暴龍速龍腕龍，卻不只是模型，還有用CG來作電腦合成，呈現更複雜更像真的動作——為求娛樂性，史匹堡是有老作了一些恐龍的動作，即使惹來一些治學嚴謹的學者不滿和指控，但我們入場目的只是看電影尋娛樂，又不是做學問，所以，一隻曉得提起前足的生猛腕龍，總比一隻只管站著吃草的呆笨腕龍，來得更具可觀性吧。在正式開始拍攝前，史匹堡和幕後技術團隊合共做了25個月前期工作。
《侏儸紀公園》後，impossible is nothing，CG正式成為荷李活電影的必備潤飾，繼而再被濫用。現在的CG，或許已能做出一千隻一萬隻暴龍在你面前張牙舞爪，但那份震撼，怎也及不上18年前那唯一一隻的暴龍——至少對我這一代當年入場睇過《侏儸紀》的人來說。

史匹堡個Friend是外星人
以前有人咁講過，但唔知堅定流。
美國政府一早便知道外星人存在，一直想搵機會話俾國民和世人知，於是找來了史匹堡，叫他拍下《第三類接觸》（Close Encounters of the Third Kind, 1977）和《ET》（E.T. the Extra-Terrestrial, 1982），透過電影裡的外星人形象，讓人類知道，外星人，是善良的，唔使怕。
如果這是事實，史匹堡應該在16歲時便接到美國政府的order。1964年，他便完成了一齣以外星人為題材、共長135分鐘的獨立電影《Firelight》。這齣《Firelight》，成本是500美元，共花上兩年時間，由16歲拍到18歲，在史匹堡屋企和屋企附近攝製。完成後，史匹堡還在家鄉搞了一場放映會，每位收1蚊美金入場費，據他回憶，他一共售出500張戲飛，但最後，竟然收到501美元，扣除500美元成本，淨賺了1蚊美金——他估計，可能是某個人唔覺意俾了2蚊吧……
《Firelight》裡頭的外星人，絕非善類，更大程度是來自四、五十年代對外星人的固有印象：殘暴，會無緣無故捉走人類，甚至會侵略地球……
《Firelight》的其中兩本戲，後來在史匹堡搵工時，拿了去給某電影公司老闆看，點知被該老闆整唔見，電影公司仲突然執埋笠……從此，這齣《Firelight》殘缺不齊，卻成為日後那《第三類接觸》的拍攝藍本、雛形。早在1973年，史匹堡本已跟電影公司傾妥拍攝一齣科幻電影，但當時史匹堡沒有知名度，電影公司不願貿貿然投資在他身上；直至1975年，《大白鯊》讓史匹堡揚名立萬，電影公司才肯付出巨額投資讓他去拍《第三類接觸》。
《第三類接觸》就是一次地球人同外星人的接觸，但僅止於接觸，到了《ET》，才呈現了雙方的生活。
《第三類接觸》嚴格來說是拍給大人睇的，所採用的視點也是大人的，用小童作為主角的《ET》，卻擺明是給小朋友（在家長陪同下）收看的。有關《ET》，有多種解讀，最表面的是：在無雜質的小朋友心中，外星人是善良的，雙方可以共同生活，唯獨邪惡的大人才會日思夜想捉住他們作實驗……
史匹堡的官方解說是：對他，ET既像一個朋友，也像一個父親——史匹堡父母在他小時候離婚，在孤獨成長環境下，ET是對小時候的他的一個填補。也有另一些主張：ET在電影裡明顯屬於少數的異類，對照史匹堡的猶太人背景，明顯是史匹堡對二戰時猶太人被殘殺，以及他小時候因這背景而遭受歧視的一種情感反射……
以上一切對當年身處戲院的我都不重要，最重要的還是——那架由主角駕駛載著ET逃避大人追捕、而我夢寐以求的BMX。

幼稚的商業導演，藉著剝削去拍Art Film？
一個成功的商業導演，和一個成功的藝術導演，同樣值得尊重。
而通常的情況是：一個已經勁成功的商業導演，總會心郁郁去做藝術導演，攞獎。
史匹堡早在1985年和1987年已先後完成了《紫色》（The Color Purple）、《太陽帝國》（Empire of the Sun, 史上首齣進入中國拍攝的荷李活電影），但未竟全功，直至1993年的《舒特拉的名單》（Schindler's List），終於讓史匹堡成為進入奧斯卡殿堂的藝術導演……但史匹堡始終是史匹堡，他那種對商業電影的純熟處理，還是搬進了他名下的藝術電影裡，讓人知道：藝術電影不一定悶藝。
但歷來不乏唔妥和反對或聲討史匹堡的聲音。最出名的是法國新浪潮導演高達（Jean-Luc Godard），他討厭史匹堡那種商業運作（其實他根本就討厭整個以資本主義主導的荷李活），更指《舒特拉的名單》沒錯是令史匹堡名成利就，但舒特拉的遺孤卻還在現實中過著貧苦生活，整齣高舉人文主義的懶偉大電影，根本就是一場活生生的剝削。
其他對史匹堡的指控，主要都是針對他對電影情節和主題的幼稚化和淺薄化處理，再大的危機都不是危機，總能被臉譜化的角色搞掂，目的，就是為觀眾提供高純度的視覺娛樂……
作為一個曾幾何時的史匹堡迷，只能說：我從不愛他的那堆Art Film，但承認他的而且確是商業電影的一代旗手。沒有他，荷李活不會是今日的荷李活——這一句不含褒貶。

ROBOCAT 51：龍年出世的唐姓智者。

2011-11-29T01:39:00.000+08:00

你有本事就自己創作

2011-11-25T13:36:00.001+08:00

所以，好多被認為好有本事的人，其實都好冇本事。

搞人哋啲嘢的導演
拍戲，自然是創作。
拍戲的以下幾位，便多次公然地搞過人哋啲嘢。
王晶——其他的唔追究了，但《精裝追女仔》明明是一齣搞笑片，有甚麼理由會出現《英雄本色》裡的堅記車房？而原裝堅記車房的東主曾江，明明是個豪氣干雲的義氣仔女，但《精裝追女仔》裡的馮淬帆呢？只是個把收縮水當成護膚液使用的縮骨孤寒老闆而已。John Woo，你真的容忍到嗎？
劉鎮偉——其他唔講，單講《92黑玫瑰對黑玫瑰》吧，根本由頭到尾都是在惡搞粵語長片吧，搞concept咪算囉，更斗膽到要梁家輝惡搞呂奇，拖埋人家落水。難為我們還認為這齣戲是甚麼後現代拼貼美學的示範……
Quentin Tarantino——甚麼？他是當代暴力電影美學大師？嘥氣啦！《Kill Bill》裡竟然讓Uma Thurman大模斯樣穿上咱們李小龍的《死亡遊戲》經典黃色戰衣——OK，服裝是服裝指導的責任，那麼，Tarantino根本就是在縱容他的團隊在搞人哋！唔止件衫，甚至連電影開場都把邵氏電影的金漆招牌照用如儀(但套戲明明唔關老當益壯的Sir Run Run Shaw事)！點解連老人家都搞？還有，他的《希魔撞正殺人狂》，英文片名「Inglourious Basterds」其實是源自一齣1978年意大利舊戲《The Inglorious Bastards》的，但Tarantino連人哋個片名都搞：整走個「The」，兼把「Bastards」變成「Basterds」。嗱，呢啲咪可恥囉。

搞人哋啲嘢的哲人
哲學，是一種涉及腦部的產物，是一種經由嚴謹思考和辯證的創作。
哲學家，一樣會去搞人哋啲嘢。
Jacques Derrida——這個法國佬，譯名叫德希達，不是拍戲的，而係一個哲學家——喎。但他的理論根本，不過是去搞希臘哲學家、例如柏拉圖的著作，去「鬆動」人家文本裡字與詞的定義，「鬆綁」了整個文本意義，延伸出一套所謂「解構主義」出來……我呸！但更呸的是，「解構」畢竟是德希達搞出來的，背後點都有一套理論根據作支持，而不是像日後被我們報紙雜誌濫用般，起題時係唔係都懶勁地用上「解構」，而寫的那個人可能根本就不明白「解構」是哪一回事。
程灝、程頤、朱熹、陸九淵、王陽明……(人數太多，未能盡錄)——中國哲學發展，是真的有其發展的，但說穿了，原來不過是在把孔孟的說話不斷「回帶」！但「回帶」的同時，又會滲一啲自己嘢落去，簡單來說，咪即係惡搞孔孟囉，試吓問米call番孔孟上來，可能未必明那班所謂儒學後人在講乜鬼！諗番轉頭，實在戥儒學最盛的宋明兩代的一班知識分子慘。唔爭在順便講埋，到了當代，新儒學大師牟宗三甚至將康德(德國哲學家，最出名那本著作叫《純粹理性批判》，極深，但有人話極精彩)那一套，融合在儒家思想裡。一嘢便把孔孟孖程朱陸王陽明和康德，像人形蜈蚣串勻來搞！

「你有本事就自己XX，做乜要搞人哋啲X」的延伸使用
突然我感到很羞家。因為在陳鑑林鏗鏘說出那句醒世恆言之前，我竟然跟大部分無知者一樣，用上大量時間，沉溺在以上那班(冇本事的)人的「創作」裡。
莊子說，道在糞溺。一個拆穿了古往今來創作虛妄假象的真理，竟由一個沒做過創作的人輕鬆道出，所帶來的那股passion，是真的會叫很多創作人好passionate的。
整個人類發展甚至會被質疑、或重新思考。因為「你有本事就自己創作，做乜要搞人哋啲相」這句話是可以被無限延伸使用的：
1.你有本事就自己立國，做乜要搞人哋啲國家？(那麼，每一個把前朝推翻的政權都是冇本事的)
2.你有本事就自己原諒自己，做乜要搞人哋啲同情心？(所以，陳浩民根本不用拖埋老婆出來喊苦喊忽！)
3.你有本事就自己度橋，做乜要搞人哋啲AD？etc.
太多了。冇本事的我已經try my b(r)e(a)st了。

ROBOCAT 50

2011-11-25T13:28:00.000+08:00

ROBOCAT 48：陳鑑林成功爭取講出了創作的真諦。

2011-11-21T17:38:00.000+08:00

ROBOCAT 47

2011-11-18T19:08:00.000+08:00

ROBOCAT 46

2011-11-17T17:44:00.003+08:00

ROBOCAT 45

2011-11-17T17:44:00.000+08:00

撒亞人生於這個地方稱呼叫悟空……

2011-11-17T17:34:00.003+08:00

這是我唯一識唱的張崇基張崇德歌曲。

被龍珠佔領的1984-1995
估唔到《龍珠》仲可以被回帶。
有人說，每個人一生都會被某些年青時接收的事物，影響、纏繞、支配一生。於是，你後生時睇過的書、戲、漫畫，唔知點解真的會零舍入腦，憎的會憎死一世，愛的也會愛死一世。因為，一切愛惡都已化做回憶。《龍珠》對我也起著這種作用吧。
鳥山明在1984年開始創作《龍珠》，那一年我仲係小學生，在還沒有嚴格版權意識的年代，我是透過一本叫《漫畫周刊》的東西接觸到這個漫畫。
由1984年開始連載到1995年連載完結，整整十一年，我也由一個小學雞變成一個所謂大學生。《龍珠》真的佔領了我的青春期。看《龍珠》的途徑，也由最早期看《漫周》連載，到後來那些翻版書，再到後來終於有出版社攞正版權推出中譯本。
如果你跟我是同一代人，應該見證過那一個最瘋狂的「追龍」年代：有舖頭把每星期在《少年Jump》連載的最新一回《龍珠》，即日翻譯，再影印成一疊紙發售。當年一本《少年Jump》才不過廿幾蚊，但這些A4影印版《龍珠》卻可以賣幾蚊，而又真的有大把人爭住搶購，可以想像，是真的賺到喊的。
我卻嫌這些影印版製作差劣。每逢周六，便由新界千里迢迢到港島區的日本百貨公司附設的書籍部，買最入新一期的《少年Jump》。冇錯，我是擺到明睇唔明的，但當在地鐵的車廂裡拿著成舊磚咁厚的《少年Jump》時，自我感覺真的勁良好。卑微的我，自小已明白姿態是甚麼一回事。

打足半年的菲利
這一次《龍珠》動畫再重播我一隻都冇睇過。實在不願那段追看悟空戰菲利的悲痛回憶又被勾起。
早期的《龍珠》動畫，節奏尚算正常，不徐不疾，但一到了《龍珠Z》，卻拖戲拖到冇譜。記憶中，當年TVB是每逢周六深夜才播一集《龍珠》的，那場菲利大戰，足足打了半年。
每一集眼定定望實悟空悟飯和一眾戰友懸在半空，跟同樣懸在半空的菲利在你眼望我眼而依然不出手時，是真的能夠讓你磨練出驚人耐力的（其實小學年代看《足球小將》，能夠欣賞戴志偉怎樣花上半粒鐘時間把波由中場帶到對方龍門，而都仲未捨得射時，忍耐力已被練了出來）。
最反高潮是：當菲利戰敗，決定改造自己復仇時，竟被來自未來的型男杜拉格斯，一嘢唔該便斬成兩邊。這一刻，我突然驚覺自己對《龍珠》動畫已經不感興趣了。今時今日我多麼的不愛動畫，原來都係多得《龍珠》，和那個樣衰的菲利。
後來才知道，當我忍受著無盡而漫長的菲利戰役時，鳥山明原來同樣在忍受無盡而漫長的連載地獄。打完了比菲利兇險十萬倍的斯路，鳥山明本想就此了結《龍珠》，但抵不住編輯壓力，惟有嘔多個終極人間兇器布歐出來，好讓《龍珠》的傳奇和商機延續下去。

少年漫畫熱血套路
布歐篇後《龍珠》漫畫終於完結。
之後鳥山明再沒有任何長篇連載，頂籠畫一些剛好可以結集成一本單行本的短篇故事。
冇錯，單靠《龍珠》從未停過下來的周邊產品，已足夠鳥山明食埋下一世，根本不需要再辛苦畫甚麼長篇了；但我會諗，當鳥山明用了創作力最旺盛的十一年時間，持續對住悟空悟飯悟天等人，是真的已經付出了最大的感情能量——真的，要你咁多年對住同一班角色，你不是極端地愛他們，便是極端的恨他們（恨也需要動用感情）——而這種感情能量，一生人裡頭大抵只能「谷」一、兩次（對上一次他已經付了給《IQ博士》）。然後，鳥山明虛脫了。
《龍珠》帶給了鳥山明很多，帶給日本少年漫畫的也很多。大致上，現在最人氣的幾個少年漫畫，儘管題材不同，但都走不出《龍珠》套路：1.熱血正義；2.遇強愈強；3.最後勝利。唯一走得出此套路的少年漫畫系創作人，或許只有冨樫義博。（也有較細微的影響：鳥山明愛用暖色系，因暖色凸顯了一種熱血感覺。尾田榮一郎的《One-Piece》便深諳此道。）
現在少年系漫畫一味打打打，你可以說，真係多得鳥山明。
進入「撒亞人篇」後的故事，毋疑充滿觀能刺激（鳥山明在描劃動感上很到家），也令《龍珠》走進不朽殿堂，但我愛的，永遠是「紅衣軍」前、有關悟空青春期的成長故事。
那時的悟空，就像作為讀者的我們，一同在由大人操控的世界裡成長。分別是，過程中悟空不失本我，依然可愛，而我們不是。

ROBOCAT 44：瞓都瞓得衰過人。

2011-11-11T17:10:00.003+08:00

ROBOCAT 43：別哭。

2011-11-11T17:09:00.002+08:00

ROBOCAT 42：口矣。

2011-11-11T17:08:00.000+08:00

英哥，你的《猛鬼差館》令我爆笑45小時

2011-11-10T17:44:00.002+08:00

許冠英死訊傳出那一夜，開完夜的我回到家，忍唔住又翻炒了一遍《猛鬼差館》。
而窗外一直傳來夜雨聲。

丑/醜角
睇過《猛鬼差館》至少30次。以一齣90分鐘的電影計算，我生命中的2,700分鐘、即45小時，都投放了在《猛鬼差館》。
這齣戲的VCD和DVD我也先後買過至少6次。通常是買了後，借了俾人而人家冇還，而自己又突然間好想翻炒，於是又去買過另一隻……
自11月8日之後，我不會再貿貿然借出去的了。
上世紀八十年代港產片黃金盛世，當某一題材大收過後，片商便會爭住拍。1985年的《殭屍先生》成功開創了搞笑殭屍片潮流，1987年的《猛鬼差館》，是這個潮流裡的高峰。
《猛鬼差館》雲集了一班極出色的配角：胡楓、樓南光、司馬燕，每一個的戲都不多，但每一個的戲都很搶。
至於主角，則採用了一種極傳統的組合：一個恃住有點小聰明的靚仔 + 一個近乎沒有智慧兼經常撞板的丑/醜角。
那個恃住有點小聰明的靚仔，是當年還未大紅但已頗具人氣的張學友；那個近乎沒有智慧兼經常撞板的丑/醜角，則是許冠英。
這麼一個成事不足敗事有餘的組合，往往被委派一個不可能的任務，過程中必定劫難重重但又能化險為夷，但最終，總能憑著機遇和好運，搞掂那個不可能的任務。這是那年頭港產片的一個常用設定，你可以說不真實、離譜，但八十年代港產片的這種荒誕感，卻是大部分觀眾所鍾情的設定——這是一種主觀投射——現實中的我們大多只能扮演一個丑/醜角(再叻，都只是有點小聰明而已)，但也希望終有一天為自己找回一點點的榮光。

夾在霸氣大佬和有型細佬之間
由許冠英去做這類丑/醜角是絕對匹配的。《猛鬼差館》的丑/醜角，自然不是他的第一次。
第一個發掘許冠英那種完美丑/醜角潛力的，是他的大佬許冠文。
《半斤八兩》的雞泡，便是一個終日被老闆(許冠文)剝削、冇乜腦兼沒有機心的戇直青年——但不失善良。
《摩登保鑣》的鄧超，已經被設定有少少叻了，只是圍繞他身邊的所有人都更叻，對比之下，他還是蠢——但不失善良。
雞泡和鄧超，都置身一個近似的人際情境：長期受到「老闆/上司」(許冠文)欺壓，尤幸身邊有個「靚仔」(許冠傑)跟他站在同一陣營，幫助他鼓勵他(但有時都會搵佢笨)；到最後，習慣欺壓人的(許冠文)會受到教訓，得到反省，而得來一個reborn的機緣，重回人生正軌；那位靚仔呢，就自然是繼續靚仔下去，而且還可以攬住最靚的女主角——因為只有靚仔才配得上有愛情線。
唯獨許冠英(的角色)，是不會有任何變化的。
繼續被恰，繼續愚笨，繼續冇女埋身——但也繼續不失善良。
只是觀眾的注意力，不是早就shift了去許冠文和許冠傑身上，就是根本不曾注意過許冠英。但我們都知道，沒有了許冠英這個下靶，就凸顯不了大佬的霸氣，和細佬的有型。
我不會知道許冠文是否把他們兄弟間自小的相處關係，套用在電影裡，但許冠英在訪問中又真的這麼說過：小時候他最怕的是大佬許冠文，最親的則是細佬許冠傑。細佬也扮演著這位三哥的守護天使，當許冠英在外受了委屈，返到屋企，是會同細佬訴苦的……他很感激這個細佬。

真．善．醜
1986年，許冠英憑《殭屍先生》獲頒金像獎最佳配角獎。在演藝生命首次獲得肯定的時刻，他拒絕接受，因為他認為在電影裡做的根本不是配角，而是主角，獲頒的理應是最佳男主角。
如果你有看過《殭屍先生》，你應該會認同許冠英這個拒絕獎項的理由。
電影裡的永恆丑/醜角，容許自己的醜長期被觀眾消費的這麼一個人，一樣是有尊嚴的。
我估，來年金像獎好有可能為許冠英添上一個致敬的獎項，讓他在死後得回一份遲來的榮光。
但英哥，好想話俾你知，你的《猛鬼差館》至少曾令這麼一個微不足道的我，爆笑了至少45小時。你搞笑的演繹，沒有高深理論支持，但就是有一種渾然天成的親和力。
大部分笑匠，是把自己刻意醜化來令引人發笑。
許冠英的引人發笑，則是在把自己的真．善．醜完全釋放出來。看他的戲，我是忍唔住笑，笑裡卻總潛藏著一股悲愁。

《夜雨聲》

夜雨聲嘆憶愛恨難明

奈何卿已一去不見影

情緣一朝化空心掛念

離愁夜雨點聲不願聽

夜雨聲倍感往事無情

夜傳鶯暗低唱悲怨聲

難忘雙飛燕依稀往事

愁腸斷我擁衾珠淚罄

誰憐憫苦相思歸泡影

千般愁向蒼天悲怨命

愁城困獨孤單悲冷清

鴛鴦難望再見淚盈盈

夜雨聲倍感往事無情

夜傳鶯暗低唱悲怨聲

難忘雙飛燕依稀往事

愁腸斷我擁衾珠淚罄

誰憐憫苦相思歸泡影

千般愁向蒼天悲怨命

愁城困獨孤單悲冷清

鴛鴦難望再見淚盈盈

ROBOCAT 41：麻撚煩的琵琶婦人

2011-11-04T17:36:00.000+08:00

ROBOCAT 40：麻撚煩的正確示範

2011-11-04T17:35:00.000+08:00

ROBOCAT 39：面目可憎的永遠面目可憎。

2011-11-04T17:34:00.000+08:00

說說西澤保彥

2011-11-04T17:23:00.000+08:00

西澤保彥是誰？推理小說作家。

睇一次唔明，所以睇多次
當太鍾意一本書，買夠兩本，一本睇一本keep，很容易理解。
西澤保彥的《解體諸因》我便有兩本喺手：一本大陸譯版一本台灣譯版，而這兩本，我都先後睇咗。
重睇推理小說是沒意義的。反正，已經知道了謎底真相、作者故布的疑陣、解謎的關鍵。但松本清張的《點與線》，我便分別在廿幾歲和三十幾歲時各看了一遍，三十幾歲那一次，我甚至依然驚歎於松本清張的破格書寫。
《解體諸因》，第一次看的是大陸譯本，明明是一本包含九個短篇的合集啫，最後竟然被西澤保彥收束成一線！最弊是，我明明沒有skip到任何一頁甚或任何一句，但點解我會睇唔明？我唔信邪，改看台灣翻譯本，看的時候還格外留神。
呢次，總算搞得通了。
其實問題不在於簡體版抑或繁體版，問題全在於我。第一次看，當看畢一個短篇，往往隔上好一段時間先去睇下一個——咁情有可原喎，因為我從來冇諗過這居然是一個以短篇作幌子的，長篇。

證據不重要，討論才是解謎的王道
《解體諸因》，就是分屍的諸個原因。
分屍，在日常總（必然地）被認為是變態，或極度變態，又或是行兇者對被殺者存在了濃得化不開、而惟有切開的仇恨。若用在推理小說，則可營造獵奇色彩，增加追看性。島田莊司就深諳此道。
西澤保彥另闢蹊徑。他認為，分屍未必代表變態，也不一定對被殺的有甚麼十冤九仇，反而是一種極度理性的行為。當你殺了人，沒錯是滿足了那一刻的濃厚殺意，面前卻多了一具新鮮出爐的屍體在，你若不想自首，就必須把屍體妥善處理。《解體諸因》就是這麼一個理性地把分屍理由玩到盡的故事，有些理由，直情令你開心大笑。
西澤保彥的推理真的很「cute」（我實在想不到另一個更貼切的形容詞）：對殺了人的幾乎沒有道德判斷，負責推理的則不理會甚麼證據，而只是單純的在「諗」，或「討論」——故事幾乎一概以對白推進，一群人為了解決謎題，而在反反覆覆的討論討論討論，情況就像我們返工開會……A提出論據，B作出反駁，A然後修補，點知C又加把咀……最後，一切謎底便（在討論中）被解開了。至於兇手是否要受制裁？他的動機又如何？Sorry，不在討論範圍之內。
看西澤式推理表面很簡單（因為90%篇幅都是對白），但一個不留神便會墮進對白的繁瑣圈套裡（因為90%篇幅都是對白）。
《解體諸因》是西澤保彥成名作，也是出道作，書裡第一個短篇《解體迅速》便是「西澤式推理」的範例：A去探B，唔覺意望見B家裡一份舊報紙上的一則分屍案報道，然後，二人便推理起來，最後成功解謎，故事也在這裡戛然而止。
因為一切建基日常生活，有人形容西澤保彥寫的是日常推理——日常是日常，卻是不太尋常的日常，並從這不太尋常的日常中，找出所謂日常的荒謬感。只是，西澤不會作出批判，由始至終都看待成一場遊戲。
第一個對西澤保彥另眼相看的，居然是島田莊司——這麼一個把太多不相關論述塞落推理小說、把推理小說當成博士論文來寫的極嚴肅推理作家。
在島田引薦下，西澤保彥1995年出道，一直發表作品至今。
他的小說被譯成中文的不算多，當中不乏不得不看的經典，也不乏不看也不相干的貨色。
點解諗起西澤保彥和《解體諸因》？只是有感日常有太多的謎：唐唐的課外活動事件；英英的虐妻傳聞；范范的話選又唔選，然後再話根本未考慮選唔選……以上個別短篇，或可串勻成為一個推理長篇；而且，推理過程中絕不需要理會有冇證據。

那些年，給不再青春的熱血進行曲

2011-10-31T15:34:00.000+08:00

那些年。那些年。那些年。那些年。那些年。
在幾乎沒有好事發生過的這些年，《那些年，我們一起追的女孩》是一次超越了集體回憶層面的大中華盛事。
集體回憶，是一種經由某個群體的共同意志產生、對某一組特定事物的集體式憑弔，一旦你身處圈外，這些回憶對你來說，根本不重要。
但我們都必然地青春過。這一個發生在台灣彰化的高中追女故事，卻讓我們集體地回憶起——只．屬．於．自．己．個．人．的．青．春．時．代。
而那更是一個仍然會跟朋友談理想、仍然會分享追女苦與樂、仍然幼稚，但又不失熱血的青春時代。
這一代的青春，卻可能花了在「等夠秤」就仆到去申請公屋。

其實一直勸自己不要去看《那些年》。
最後還是去看了。真的，好耐未見過戲院迫滿咁多人，就連在小食部買爆谷荷蘭腸的那條人龍也零舍長，而當中有不少，更加是明刀明槍著住中學校服的，情侶。
是的！我就是不想讓自己見到如斯場面，才叫自己不要去看！
我清楚知道，眼前這一pair pair正談著戀愛的青春的心，只會迫我憶起中學時的自己，一直只是個溝唔到女不折不扣的可憐蟲蟲蟲蟲蟲蟲……
但，就像電影裡永遠地美麗的沈佳宜跟柯景騰所說的：「人生本來就有很多事是徒勞無功的啊。」
所以我感恩，自己中學時屢敗屢戰keep住有追女孩。那些患得患失的曖昧交煎，填充了青春的無數空白。
只是身邊從沒出現過一個女孩像沈佳宜/陳妍希咁正，可以叫自己熱血地，追足八年。

90年代，櫻木花道教曉的男孩事
故事開始於1994年。
不像小說，電影對那年頭的時代風貌和流行事物，其實只作了有限度描寫，當中特別提到的，是櫻木花道。由井上雄彥創造的熱血型漫畫人物。
井上雄彥，1990年開始連載成名作《Slam Dunk》（台譯《灌籃高手》），讓90年代成長的男孩明白：打籃球原來是很熱血的一門運動，而肆意地在球場揮灑熱血，更是極度浪漫的一回事。
櫻木花道，為了追求赤木晴子，明明唔識打籃球都決定加入籃球隊，以熱血作憑藉，慢慢成為一個遇強愈強的天才球員……
柯景騰就是櫻木花道。
在青春這場戰鬥裡有的是熱血，和（以一點點以無知作為根基的）自信。
在宅男草食男還未盛行的那些年，熱血，是普遍男孩信奉的人生戰鬥必備態度。可是，現在經由怪獸家長調教出來的，卻可能只會認同人生就是場精密的算計。

男生專享的課外活動
沒有人忘得了柯景騰/柯震東經常露出的肉體。
但看在眼裡，我們不會覺得是在故意賣肉、或鹹濕，反而是理所當然地順眼。
就算是「打手槍」，也不帶淫穢之味。
這是齣以九把刀視點去說的故事，而從男人的角度看，既然都是男生，又同樣擁有著大量的青春和過剩的精力，所以，這不過是青春年代男生們共同（而各自地）進行著的一個課外活動吧。
離奇地，那班力追沈佳宜的男生，卻從來沒有以沈佳宜作為「打手槍」的幻想對象。
我不知道是九把刀刻意安排還是其他原因，總之，他們追沈佳宜就是因為愛沈佳宜（甚至連男生的言談都不見對沈佳宜身材肉體作出任何高談闊論），完全超乎性的邊界，完全純愛。

純愛Area：膊頭以下，Bra帶以上
表面看，《那些年》就是純愛類型電影。
純愛電影的配套，必然地包含以下各項：沒有屏風樓阻擋天空的優美鄉鎮、臭屁成年人對青春族群的無恥欺壓、考試升學的煎熬，以及（至少）一個美得不像凡人的女神型被追求對象。
在純愛電影，愛自然是唯一的最大前提，一次拖手一個輕吻，都已經是驚天動地一生一世。永遠記得那場戲。沈佳宜抱恙參與大學聯考（看過電影的都應該知道是哪一回事），表現失準；某個晚上，找來柯景騰哭訴，訴說自己一直努力讀書但偏偏就是考不好……
那場戲是二人感情關係大躍進的契機。柯景騰聽著沈佳宜的哭訴，安慰著身旁這個脆弱的女神，其後，鏡頭刻意影住柯景騰的右手伸到沈佳宜的背——他不是像平日安慰好兄弟般，豪情地拍一下膊頭，而是輕輕的，細細地，放在沈佳宜背上——心邪的我，一心以為九把刀會讓電影裡的自己把手往下掃，掃到女神的bra帶上——但沒有。
柯景騰右手的落點，剛好是沈佳宜那白色bra帶的上方（她當晚穿的是有點透的白色上衣，所以讓我看得很清楚）。
當一個傷心女生，最需要一個男生安慰的時候，而眼前這個男生正正又是自己喜歡的，在21世紀的進取思維裡，往往直線地諗到，之後肯定仲有「下文」。但在《那些年》卻沒有。戲就在這一下「膊頭以下，Bra帶以上」的輕撫，戛然而止。這麼一個小安排，我便認為比以前看過的一些（偽善）純愛電影，純愛得更善良更可愛。
反而之後，在沈佳宜和柯景騰升大學後唯一一次的約會裡，女方把本來戴著的一隻手襪給男方配戴，便又太過畫公仔畫出腸了。但這始終是作者的自傳式電影，如果這個小情節是真實地發生過的，OK，冇問題。

人生本來就有很多事是徒勞無功的啊
本可以成為一對的卻沒有成為一對。
到最後，沈佳宜結婚了。柯景騰跟他的一班好兄弟聯袂去飲。
大家都成年了，各有各的工作和現實考慮。說失敗，沒有一個失敗；說成就，也沒有一個坐擁著很大的成就（唯獨柯景騰，算是做到了讓這個世界因為有了我而有一點點的不一樣）。
最後那一個極具爭議性的吻（不在這裡玩劇透了，但跟小說的情節是不相同的），明明是製造了很喜劇的效果，看在我的眼裡，卻看到有點眼濕濕。
現實生活可不是一齣女《灌籃高手》，沒有人可以像櫻木花道般憑藉一腔熱血就得到人生所有榮光——熱血毋疑是一股拼勁，但不代表就能夠用來克服殘酷人世裡的所有難題。
當柯景騰長大了成熟了，自然也不再幼稚（那場令沈佳宜離開他的異種格鬥賽，便讓他明白自己根本不是最強），但最後那拼盡力的一吻，他容許自己（幼稚地）喚回失落已久的青春熱血！
到最後，當然沒有任何事因為這一吻而改變，沈佳宜始終還是要嫁人（我也相信柯景騰對沈佳宜的感覺也已經變了，他喜歡的，始終是已成過去式、經常用藍色原子筆篤他背脊的那一個沈佳宜），但這一吻，柯景騰同時吻回了那些年、那一個曾經青春充滿熱血的自己——即使，人生本來就有很多事是徒勞無功的啊。
《那些年》的受歡迎，絕對不在於作為一部電影的藝/技術層次，而是因為箇中的微妙作用：叫觀眾喚回那個曾經幼稚、不識天高地厚的自己。青春美好，是因為容許你不知天高地厚地去擁有夢和理想。
這原來是一齣勵志片，獻給不再青春的人。

但願不會出現香港版的《那些年》
有理由相信，一齣擺明販賣《那些年》情懷的港產片將會不日上畫。諗一諗，對上一齣在香港成為話題、掀起不得不睇熱潮的港產愛情片，是哪一齣？
《婚前試愛》？話題僅在於娜姐的肉體吧。而且也絕對沒被列入不得不睇的一類。《志明與春嬌》？話題是有的，但還沒去到那種茶餘飯後人人見面都必然講起的程度。甚麼？《夏日樂悠悠》的前世版《夏日的麼麼茶》？唔係呀……《初戀無限Touch》、《新不了情》、《秋天的童話》……？
香港不是沒有高中生，高中生也不是不懂得「打手槍」（大佬，愛都識做啦），沒有的，是情懷。是現實中香港人的個性使然？這些年的港產愛情電影，主要拍的都是大人的愛，都充滿了扭橋——男與女愛情背後，全然是一場爭奪話語權控制權的角力。我們看港產愛情片，感動還是其次，首要的是用腦，和一顆小人的心。
《那些年》的故事其實很平凡，其群眾根基主要建基於九把刀的讀者群（後來電影成為話題才廣散出去，連非讀者群也留意到），他們都知道這是九把刀的一次個人自述。而因為自述，所以真實。情懷可以弄虛作假，但作極都及不上真實的能夠打動人。所以，即使有導演把《那些年》由頭到尾照拍一次拍一齣香港版，都只會是徒勞無功。就算我們知道故事真實的，但九把刀的成長場地畢竟是在台灣彰化啊。
OK，有些人或許不介意故事場地搬到香港，但，邊度拍先？香港還有甚麼地方可以拍出那種優美的古早味？上環？《歲月偷神》咩。旺角？太嘈了吧。深水埗？太窮了吧……
將軍澳呢？假設在日出康城拍吧。說柯景騰和沈佳宜在有兩個球場咁大的日出公園約會，點知，一味熱血的男方因為不是住客，結果被無情的臭屁實Q趕走，惟有孤獨地由環保大道徒步行返出去TKO，並被女方罵他幼稚笨蛋不成熟……
你，會感動嗎？

陳妍希

2011-10-31T01:37:00.001+08:00

ROBOCAT 38：當人哋白癡的學者

2011-10-28T18:25:00.000+08:00

大佬 Don’t Look Back in Anger la!

2011-10-27T17:42:00.000+08:00

我迫自己去聽Noel Gallagher的《High Flying Birds》，嗚……嗚……

好在邊？
當我迫自己把這隻《High Flying Birds》聽到第五次時，我終於開始覺得，OK好聽喎。
弊在，今年2月聽Noel細佬Liam自己話事的那隊Beady Eye專輯時，聽第一次，已經覺得OK好聽——而我們都知道，Beady Eye不過是一隊冇咗Noel的Oasis而已。
但不論是大佬的solo作又或是細佬主理的新樂隊專輯，我都只認為OK好聽。奇在，外界對兩兄弟分拆後的獨立作品，都給予高度評價，尤其是大佬，直情好似唔敢得罪佢咁，有專業樂評人甚至讚到Noel這張《High Flying Birds》是他自《(What's the Story) Morning Glory?》以來，表現最好的專輯。
唔X係吖？

Oasis的一體兩面
《High Flying Birds》的OK好聽，跟Beady Eye《Different Gear,Still Speeding》的OK好聽，原因同樣是裡頭的歌根本就是最本格的Oasis，沒有任何變更，也沒有任何新嘗試——Beady Eye集中喚回Oasis早期那種最直接的興奮爽快，Noel則集中催谷Oasis中後期的深情意向。
如果把兩張專輯撈埋一齊並加以刪減，這根本就是一張極穩陣的Oasis專輯。
如果懶，唔想刪減，直接出一張double album，亦得。
寫歌方面，大佬自然是冇問題的，最大問題係佢把聲——大佬，我並不是話佢把聲唔得(我一直堅信《Don't Look Back in Anger》這首Oasis金曲，真的比較適合大佬去唱)，但一拍埋細佬度，又真係，差好多。所以，當我聽到《High Flying Birds》第4首的《The Death of You and Me》，聽到Noel又獻上他那獨門的深情假音時，真的令我打了一個冷震。
我終於明白，為甚麼要迫自己聽到第五次時，才開始覺得OK好聽了。過往聽Oasis的碟，即使也會聽到Noel的深情歌聲和假音示範，但十首歌裡頭頂晒槓兩首。兩首？OK，仲頂得住。頂足十首？唔係唔得，但要俾啲時間適應囉。
真正能夠為Noel的歌add value的，始終係佢嗰個死鬼細佬。

真的拆夥了
2009年，Noel突然宣布決定離開Oasis。原因是再也頂唔順個X街細佬。
當時聽到這消息，驚奇而不驚訝，兩兄弟基本上從未停止過表演鬧交和鬧翻，但始終背負著一門龐大音樂生意(Oasis從來都是屬於他們兩兄弟的樂隊，其他成員存在感很薄弱)，不會這麼容易拆夥吧。
Noel竟然是堅嬲。撇除其他積埋多年的怨懟，Noel這一次堅嬲的一個重要理由，是他不滿細佬要求在音樂會，順手大肆宣傳埋他的個人時裝品牌Pretty Green。
但Liam可沒有被大佬嚇窒，話咁快便宣布Oasis會run落去，絕對不會因為某一個人的離開而玩完——但到了最後，還是改用Beady Eye名義出碟，而冇再用Oasis個名。
兩年過去，兩兄弟分拆後的作品都先後面世了，評價毋疑是OK，實銷數字方面卻點都及不上兩兄弟還未反面的Oasis年代。
當連更加不可能復合的The Stone Roses，也可以攬頭攬頸宣告reunion時，我更加叫自己相信，Noel和Liam兩兄弟或者會在不日走番埋一齊……搵錢。我絕不介意的。

ROBOCAT 37：無法補充的不幸個別事件

2011-10-27T17:36:00.000+08:00

ROBOCAT 36：唯獨達官貴人才有權參與的課外活動

2011-10-24T19:32:00.001+08:00

ROBOCAT 35：達官貴人最愛參加的課外活動：「感情缺失學會」。

2011-10-21T19:57:00.000+08:00

誰還是有良心的人？

2011-10-20T17:25:00.000+08:00

邊個？《異種2011》這個戲名是邊個起的？

怪，端得很怪
我深信，如果咁有心會買飛入場去看《異種2011》的，都會知道這是在呼應1982年那齣《The Thing》——而同時知道當年的中文片名是，《怪形》。
至於甚麼「異種2011」呢，則很容易令人誤會是1995年那齣《異種》(Species)的續篇作。
又或者，宇宙間只得我會咁care呢啲瑣碎事吧。
對比1979年問世的《異形》(Alien)，《怪形》的深入民心程度冇咁高，至少由1982年至今，就只得現在這一齣(被亂改做《異種2011》的)後續作品。
這是可以理解的。《異形》，至少有一隻由超現實主義藝術家H.R. Giger主理的外星怪物，作為讓人銘記於心的「註冊商標」。《怪形》呢，sorry，出現過的怪物毋疑好多，但你根本形容唔出，牠們究竟是乜X來的。
最初出現的一隻，是由狗變異而成的：狗頭突然從正中央擘開，伸了一嚿我都唔知是乜的血肉模糊東西出來，同一時間身體又
冒出N咁多碌類似觸鬚的黃色軟管……
另一隻，則來自一個肥佬的屍身。他的肚仔先裂開，伸出一條肉柱，肉柱頂端咁啱就是那個肥佬的頭！就在這隻被消滅的同時，原來那肥佬屍體的頭跌落地，伸出六隻腳變成一隻頭形蜘蛛……
對於異形你還可以形容為「型」，但對怪形，則只能稱之為「怪」。

誰瀨了嘢？誰冇瀨嘢？
好的恐怖電影，必須要提供官能刺激：但提供到官能刺激的，又不一定是好的恐怖電影。
1982年的《怪形》，改編自1951年的《The Thing from Another World》。John Carpenter的八十年代新版本，特技勁了，暴力程度也強上N倍，而且更偷偷哋植入了一個回應時代的暗喻。
對愛滋病的全球性驚恐。
首宗AIDS病例，在1981年被公告天下。之後，八十年代好一段時間，我們都活在這個絕症的恐懼下，而因為恐懼，再配合對病症的科研還未透徹，經由無知，再整合出一種「深層次恐懼」(如按特首在一班學生面前對「深層次」所作的權威詮釋，即係解決唔到啦)。
真的，中二某一次早會，有個生物科miss便勸告我們：不想患上AIDS，就．千．萬．不．要．肛．交．啊。只是，她沒有再說其他染病的可能途徑……那個年頭，有種論調的確不斷被渲染：同性戀是傳染AIDS的唯一途徑。
要檢測自己有冇感染HIV，請驗血。
John Carpenter真的在《怪形》裡安插了一段驗血戲：實驗室裡互相猜疑的各人，被綁埋一齊，然後逐個驗血，以檢測究竟誰人身體健康，誰人已被外星怪物因子(病毒)感染。
最恐怖還是，那一刻你就像片裡的主角卻羅素，完全不知道面前哪一個瀨了嘢，哪一個仲係人類。
因為單從外表觀之，每一個臉上都依然掛住一副正常不過的「人樣」。
警世的《怪形》，票房卻慘淡，因為同一年撞正史提芬．史匹堡的《E.T.》。普遍人類受E.T.感染，偏向相信了外星生物一樣，可以好似人類咁可愛咁溫情。
血液可以話你知，誰變成外星怪物誰有HIV病毒，但有冇良心，血液便驗不出來。
所以，當有人僵硬地聲稱自己從來沒有違背良心，又或者牙斬斬地說自己會盡心盡力、竭盡所能為香港社會及市民服務時，千萬不要人哋講你就信。

ROBOCAT 34：無恥的人，笑容僵硬。

2011-10-19T17:35:00.000+08:00

ROBOCAT 33：小小心意。蛋蛋贈特首。

2011-10-17T22:22:00.000+08:00

很想重讀的一本小說

2011-10-15T04:41:00.000+08:00

就是張大春的《城邦暴力團》。
十年前第一次讀，讀得不太通，部分地方甚至有「捱」的感覺。
但又真的是當代華文小說裡最具氣魄、結構最龐雜的一個作品。
借武俠框架來敘述現代台灣的生成。
所以，很想重讀，很想去讀通。

Mr. Bean Defines 大智若愚

2011-10-15T04:31:00.000+08:00

自從唐唐被形容為「大智若愚」後，我開始認真審視唐唐。
而在過去那個星期，唐唐一直沒有開腔說話，只用肢體動作來交代一切，我便想，他是在扮Mr. Bean嗎？
Mr. Bean，中文譯名是戇豆先生。無論怎樣詮釋，這都肯定不是為一個智者所應該起的名字吧。作為演繹者的Rowan Atkinson，早在唸電子工程碩士的時候便構思了Mr. Bean這個人物，然後再用十年時間改良，用最理性的智慧，鑽研出一套最搞笑的愚蠢。
而愚蠢背後，卻是對成年人偽善世界的一種反抗。只是反抗得也很愚蠢。
至於唐唐的智慧是否真的高到一個愚蠢的程度？則留待大家觀察。
但可以肯定的說：看著他的純肢體表演，我一點都不覺得好笑。

一個電子工程碩士，愛上搞笑
一代笑匠，沒有富娛樂性的出身。
1955年，Rowan Atkinson生於英國東北部達勒姆郡的一個農民家庭。四兄弟中他排名最小，但大哥早夭，在日後的成長，嚴格來說，Rowan只有兩個哥哥，而兩名哥哥都跟演戲無關，按下不表。
讀書年代的Rowan，也跟戲劇無關。直至1975年，他在牛津的The Queen's College修讀電子工程的碩士課程，開始對表演藝術有了興趣，尤其鍾愛二十世紀初的默片演出，於是，開始為Oxford University Dramatic Society和Experimental Theatre Club擔綱演出。
那年頭，Rowan除了愛上戲劇，還做了兩件影響他一生的事。
1.認識了日後合作無間的編劇Richard Curtis。
2.起草了Mr. Bean的角色雛形。

戇豆笑的演繹，共四種
1978年，Rowan為BBC Radio 3演出了由他和Richard Curtis聯合創作的《The Atkinson People》。
節目形式極簡單，就是扮訪談，被訪者統統是虛構的名人，借訪問來諷刺社會。《The Atkinson People》只做了四回。
《The Atkinson People》後，Rowan演過無數大小閒角，但當中最重要的，有四個。這四個角色，由Rowan盛年到中年，講述了他怎樣去鑽研令人發噱的本領和本質。

1.《Not the Nine O'Clock News》時事的Rowan式插科打諢
1979至1982年。24到27歲的Rowan。
《Not the Nine O'Clock News》是BBC 2的一個節目，每集25分鐘，從名字看，就是一個衝著BBC 1《Nine O'Clock News》而來的諷刺時事節目。
節目由四個骨幹成員組成，Rowan以外，還有Pamela Stephenson、Mel Smith和Griff Rhys Jones。基本上，四位成員都很搞笑，同樣各有專長，也因為這個節目而紛紛成了名。
相對其他三位，Rowan明顯是最突出的一個：他明明尚算後生，但樣子已經很「佬」，再配合他的兩種專長：純以肢體動作來搞笑(即是日後Mr. Bean那一種)，以及很只此一家的唸對白節奏和腔調(他後來演的Johnny English唸對白時依然怪，但相比起《Not the Nine O'Clock News》，已經算正常了)。
《Not the Nine O'Clock News》裡的Rowan，並沒有固定角色，每一次都是因應不同角色，而提供一種「很Rowan」的演繹方式。能夠讓Rowan專心去「磨」一個角色的，是1983年的《Blackadder》系列。

2.《Blackadder》英國歷史處境的戲謔
我不知道為何Rowan要跟拍檔Richard鑽進英國歷史去找荒謬的笑點，只知道這是一件艱巨的工程，尤其《Blackadder》的處理絕對不像咱們的古裝電視劇：只有服裝和背景是古代的，其他的統統現代，但《Blackadder》卻是真正的要在英國的大歷史裡，找出可笑的地方。
系列第一個series《The Black Adder》，時間背景設定在1485年，英國正值中古時代末期……Rowan演的是誰呢？是Richard IV個二仔Edmund，一個性格乞人憎的刻薄貴族，最想做的，就是推翻父王……故事設定成這樣也不打緊，最打緊的還是Rowan和Richard竟然要藉一齣搞笑處境劇，順手討論歐洲中古時代的一些歷史問題：封建時代的王位繼承、羅馬教權和王權的衝突、十字軍東征的影響……
我諗，是因為我渣吧。明明已經是讀歷史的了，但看《The Black Adder》時真的思緒好混亂，Rowan要戲謔的issue，竟然比我上中古史時lecturer教的還要深奧……
《The Black Adder》是成功的，BBC決定添食，但就縮減預算，刪去外景拍攝，一概廠景了事。可能有關方面也明白到，外景和廠景根本就不是劇集的決定性元素，最關鍵的始終是Rowan的演繹和Richard的劇本。
Series 2《Blackadder II》，時代推至十七世紀初，Rowan演的還是Edmund Blackadder，比起上一次中古時代的Edmund Blackadder，這一次的更狡猾更工於心計，而且還刻意被Richard放大處理。Series 3的《Blackadder the Third》，時間設定在19世紀初。
最後一輯，《Blackadder Goes Forth》，發生於1917年的故事，第一次世界大戰進行中。Rowan扮演的Captain Blackadder，一心只想在戰爭中倖免於難，成功地做一個逃兵。可能是時代背景不再像過去幾輯的古代英國般離身，這一次，調子毋疑來得相對地沉重。
因為《Blackadder》系列，Rowan的笑匠地位被正式確立。

3.《Mr. Bean》孤獨成年的有口難言
看《Mr. Bean》自然是為了笑，但愈看，竟看出一種存在的悲哀感。Rowan在進修碩士時起草的Mr. Bean，很簡單，就是個盛載著童心的成年人。
好聽一點，是大唔透的大人；難聽一點，則是個根本不適合於成年人世界生活的成年人——因為他不諳成年人的麻煩生活法則。
為何Rowan要讓Mr. Bean不說話？因為他明白到，之前演的sitcom都是主要依靠對白令人發笑，如果不明白英語的話，即使也會笑，但肯定打了折扣。於是，在Mr. Bean還沒有名字、沒有打算被拍成電視劇的時代，Rowan已經在不少公開場合演繹過Mr. Bean，而且就是不靠對白，純以肢體動作來交代情緒和那份荒謬——他想做一個實驗：單靠肢體動作能否令人發笑？
實驗結果顯示，Rowan成功了。
當《Not the Nine O'Clock News》是在拿社會時事來笑，《Blackadder》則是用英國歷史來笑，《Mr. Bean》要笑的，不是外在社會，而是人這麼一種存在個體。
Rowan沒有清楚交代Mr. Bean的背景，只知道，他獨居(但在他主觀世界裡他不是獨居，因為有一隻小小的Teddy Bear陪著他)，他有一份工(但似乎經常不用返工)，所以他有同事(他便曾在《The Trouble With Mr. Bean》一集，邀請了兩位同事到他的家齊齊countdown)，他似乎有一個叫"Irma Gobb"的女朋友，但他又似乎只當對方是一個普通的女性朋友……
然後，每一集都是交代Mr. Bean怎樣用他自己的「不成熟方法」，去處理成年人世界的諸種「成熟問題」。看著劇裡的Mr. Bean，你會笑，甚至覺得他可愛，但現實中若遇上這麼一個人，你只會覺得他麻煩，和蠻不講理(事實是Mr. Bean真的不太開口，即使開口，也聽不清楚他說甚麼)。
或許，這樣說吧。成年人活在現實世界，就是被要求去裝扮出成熟的偽善，而Mr. Bean，卻是繼續像一個小朋友，忠誠地表達自己的所思所想(而又不理會別人感受)。我也不知道，哪一方才是對。
所以，Mr. Bean以為自己戰勝了成年世界，但真實是他不斷被成年世界欺侮。在那一集經典的《The Trouble With Mr. Bean》，兩位同事在Mr. Bean的家待不下去了，於是撥快時針，讓Mr. Bean以為已過了午夜12時。然後鏡頭交代：Mr. Bean和他的Teddy Bear關了燈，入睡，而那兩位同事，卻參與了Mr. Bean家隔鄰正進行的party，一個真正屬於成年人的派對。
亦由於沒有對白，所以任何國籍的人都笑得出，和看到那種隱藏在笑背後的寂寥。Rowan這樣說過，Mr. Bean從來不介意別人怎樣看待他審視他。反而觀眾卻像偷窺者，藉著偷看著這個「成年人」的不成熟舉動，來尋開心。

4.《Johnny English》21世紀淺薄的笑
二十一世紀的Rowan，最著名的演繹是Johnny English。
Rowan曾經替英國信用卡Barclaycard拍過一系列電視廣告，廣告中，他扮演一個名叫Richard Latham的特務。
Richard Latham，其實便是Johnny English的前身。
《Johnny English》是對占士邦電影的戲謔。James Bond智勇雙全，Johnny English有勇無謀；James Bond攬女無數；Johnny English不解溫柔……
但基於在Johnny English那世界活著的壞蛋，可能比Johnny English更蠢，所以，Johnny English一樣可以收拾壞蛋，完成任務。
演繹上，Johnny English只是Rowan把過去的一切搞笑伎倆合併後的一個完成體。
特別嗎？一點也不特別。但在淺薄的二十一世紀，這樣已經很足夠，因為還沒有人比Rowan更特別。
Rowan說，他演Johnny English時極度痛苦，因為他是完美主義者，每一件事都要去理；而在他眼中，完美主義更似是一種病毒，而不是單純的對工作處事態度的形容。
一認真便輸了。

（終於看了《Johnny English Reborn》，悶）

ROBOCAT 32：沒有良心的廢人/爛仔

2011-10-14T11:46:00.000+08:00

特首啊，我偏偏不幸地讀了歷史系……

2011-10-13T20:15:00.000+08:00

中七某天。一位女同學知道我大學聯招第一志願竟是報讀歷史系時，即碌大對眼問：「你報呢啲系呀？你第時諗住做乜呀？」

為了李世民，女同學崩潰
我認，當時心裡有氣，因為不喜歡被人看扁，而且還要被一個唔靚、甚至稱得上係醜的女同學看扁。
結果我真的進了歷史系。失望。我接受不了部分lecturer夠膽死照住「碌屎」讀就當教書，更接受不了有些lecturer將「碌屎」內容，用幻燈片顯示出來，佢一邊讀，一邊暗示各同學快啲抄啦笨X……大學教育，不是應該「型」一點的嗎？
上tuto，仲正。記得year 2修讀了「隋唐史」，第一次的tuto討論題目便是赫赫有名的「玄武門之變」。一組同學present一組同學comment，其他在座的便做花生友。那一次的討論氣氛很強，到後期直情演變成罵戰，負責present的一名女同學，為了捍衛自己對李世民這個歷史人物的一點歷史意見，離奇地崩潰得哭起來！結果，tutor出手，安撫了她，平息了這場口舌之爭——後來有人爆，說那女同學早就跟tutor拍了拖，所以預早知道了一些有關那次討論的model answer。她哭，或許是基於自己明明坐擁了權威的官方答案，但依然慘被同學狠插，一時諗唔通吧。

歷史不只是一潭死水
對報讀歷史系的這個歷史決定徹底後悔，於是轉投哲學懷抱。第一個修的是「形而上學」。單睇個名，已經知道是很「型」的一門學問啦。
事實是，課堂內容真的令我有種腦袋被剖開的感覺。一些諗都未諗過的問題，原來N年前已經被一些勁人諗過，更加被有條理地諗通埋。當中一個，是馬克思。對於最原始的「馬克思主義」，總算有一個梗概了(這始終是一個不可能實現的utopia)；同時也解開了一個從來沒有歷史系lecturer為我解開的疑團。在看某些大陸歷史期刊輯錄的論文時，經常睇見「唯心」、「唯物」、「封建社會」這些字眼，我完全唔知這些字眼講乜X，而這些論文的出現時間，統統是在中國解放過後……Well，當年內地的歷史學人知其不可而為之地，把作為支撐「馬克思主義」的核心理論「唯物史觀」，成套硬塞落中國歷史裡，作為中國發展的合理化解釋——因為若按照馬生寫下的預言書，人類社會發展最終必然出現的，就是共產主義社會。
表面看歷史毋疑是一潭無用的死水，但原來可以被改造、添加，再利用。

記憶與遺忘的鬥爭
讀歷史，尤其在香港，一點也不勁，至少肯定做不成高官。而我，做不成高官也做不成甚麼歷史學家。但慶幸不用食屎。
史馬遷說的甚麼「究天人之際，通古今之變，成一家之言」，至今我依然唔明。
唯一明白的是，不同年代產生醞釀的思想思潮，都不會是無緣無故爆出來的，而必然是對那個年代進行考察後的一個回應，和一個反動。
真心覺得，馬克思是勁的，但如果馬生本身就是個盡刮勞動階級剩餘價值的資本家、而不是窮人，他仲會咁好閒情去嘔本咁X厚的《資本論》出來嗎？唔會啦。馬生的烏托邦，很可能是建基於他內心深處的仇富思想。
歷史到最後讓我們知道的，便是在timeline上，在不同時間點執掌權力的人做了甚麼，而其他的人又作出甚麼回應。有些人的回應方式太無力，改變不了甚麼；有些人的回應比較能切中要點，因而改變了大局——這些改變了大局執掌了權力的人，又因做了一些甚麼，而令其他人作出了另外一些回應……歷史便是由千百萬顆人心的角力在遙距操控。
注重歷史，是選擇去記憶；不注重歷史，是選擇去遺忘。
人類對抗權力的鬥爭，就是記憶與遺忘的鬥爭。米蘭．昆德拉這樣說。我們這個地方、這個時代不去關注歷史，但又離奇地懶係關注某些被標籤為具歷史價值的遺跡文物。遺跡文物可以是歷史，但歷史不止於遺跡文物這堆死物。
至於豪情地說自己中史都唔合格啦的特首，well，歷史不會忘記你由始至終都只是一個冇X用的打工仔。

ROBOCAT 31：江之復活，你們何需驚訝？（當然也不用像大智若唐般興奮）

2011-10-12T18:28:00.000+08:00

ROBOCAT 30：40分，好X開心！

2011-10-12T18:26:00.000+08:00

R.E.M.《Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982-2011》

2011-10-10T02:03:00.000+08:00

因為Kurt Cobain，也追隨了R.E.M.多年。
橫跨幾個世代的美國alternative rock樂隊，
終於也要解散了。
下月更會推出精選結集《Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982-2011》。
尚欠三張，其實便儲齊他們的專輯。
但多年來，搵來搵去都搵唔到。

《Überlin》
hey now take your pills and
hey now make your breakfast
hey now comb your hair and off to work
crash land no illusions no collision no intrusion
my imagination run away
i know i know i know what i am chasing
i know i know i know that this is changing me
i am flying on a star into a meteor tonight
i am flying on a star
i will make it through the day and then the day becomes the night
i will make it through the night
hey now take the u-bahn
5 stop change the station
hey now don't forget that change will save you
hey now count a thousand million people
that's astounding chasing
through the city with their stars on bright
i know i know i know what i am chasing
i know i know i know that this is changing me
i am flying on a star into a meteor tonight
i am flying on a star
i will make it through the day and then the day becomes the night
i will make it through the night
i don't mind repeating i am not complete
i have never been the gifted type
hey man tell me something are you off to somewhere?
do you want to go with me tonight?
i know i know i know that this is changing
we'll walk the street to feel the ground i'm chasing
uBerlin
i am flying on a star into a meteor tonight
i am flying on a star
i will make it through the day and then the day becomes the night
i will make it through the night

平山夢明《Diner》

2011-10-10T01:42:00.000+08:00

一個女人，陰差陽錯進了一間專供殺手享用的餐廳工作。
主廚也是個前殺手。
平山夢明在核突描寫上真的好核突，
直頭令人有種「Ｘ，唔使寫到咁撚離譜吖」的感覺，
但他的長處就是這些描寫，
不然，構築不起他一心想營造的那個仆街世界。
讀了一半，感覺不俗。

還有，這本不是推理小說。

Adrian Tomine這幅畫總是令我想起很多……

2011-10-07T17:25:00.000+08:00

由我的外表缺失說起

2011-10-07T17:22:00.000+08:00

為了不想再被街上三唔識七的人，把我認錯是某個公眾人物，我決定留鬚。我承認，這是我的一個外表缺失，但過去了。

真的，我介意被keep住認錯
第一次被認錯，是2007的事。
我搭地鐵返工，坐在最側邊的座位。突然，感到左邊正有一對目光盯著我。若無其事地往左邊方望望，冇錯，一個女子真的在看著我，但當我瞥了她一眼，她立即把頭擰開。
過了幾個站，再次感到從左邊射過來的目光。惟有再扮冇嘢咁望過去，well，竟然是有兩個女子在緊盯著我！
我沒逃避，也望著她倆；她倆，一個年紀大一點，一個較後生；目光不帶惡意（也不含絲毫愛意吖），卻存在一份疑惑——後生的那一個終於開口：「你係咪做DJ嗰個阿XXX？」一時間真的醒唔起她提及的那個阿XXX是誰（我甚少聽電台節目），諗了一陣子，才想起來，便尷尬的笑了笑：「唔係——」話口未完她竟然搶著說：「你唔好唔認啦！」我惟有再肉緊地連聲否認，她才肯收手。點知，臨落車，她突然出了嘢回馬槍：「其實你會唔會真係阿XXX但又唔想認？」
這件小事，一直被我看成是個每當朋友聚會悶悶哋時便拎出來用的挖苦式笑話。只是，到了去年，那個阿XXX開始做電視台了，而偏偏香港又有慣性收視這回事，於是多了人識佢，也多了人認錯我係佢。最高紀錄，便試過在一粒鐘之內，被油麻地的三夥人認錯：一夥是兜頭兜面問我，一夥是望住我大嗌「阿XXX吖！」，一夥則是睥實我，唔講嘢，一味在陰陰嘴笑。
經過那一粒鐘後我開始感到困惑。困惑，不是因為我介意被認錯係嗰個阿XXX——我相信，即使被認錯是筍盤陳豪（而我身邊又欠了一個陳茵媺），也會困惑。
困惑是：我明明是一個獨立的存在個體，再微不足道都好，為何總被不相干的人把我跟另一個生命撈亂，混為一談？
OK，你可以話我的困惑濕濕碎，但真的，從此我出街例必很在意別人目光，慢慢地，再變成逃避，耷低頭行。

微不足道
我很喜愛的美國漫畫家Adrian Tomine，咁啱地也畫了個有關被別人認錯的短篇。
但漫畫的女主角仲大鑊，竟被錯認是一個當紅porn star。
女主角的解決方法比我撇脫，退了學，辭了兼職，搬到另一個地方住，索性脫離原來的生活圈子。冇人再認錯她了，同時也交了個聲稱替迪士尼寫劇本、很陽光的男友。直至一天，她在男友電腦一個收得好密的folder，找到那個porn star的500幾套作品和1000多張相片。她趁男友不在時，鏟晒成部腦的file，離開，並把自己改頭換面。
某一天，她竟然遇上那個porn star，按捺不住，走上前對porn star說，自己過去經常被認錯是她……這兩個本不相干的生命，便閒聊起來，交換自己的成長過去……但Adrian Tomine沒安排這對兩生花在往後的日子成為知己，就只是這個尋常的一天，出現了一刻偶然的交會，擦身而過，然後繼續分別演繹著屬於自己的生命。
出現在Adrian Tomine漫畫裡的，從來都不是超級英雄，只是微不足道的人，在微不足道的煩惱支配下，微不足道地過活。今年37歲的他，早在1991年的讀書時代已開始創作，並自行印刷小量地出版；他的漫畫有著一個共用的名字：Optic Nerve，視神經。微不足道的人和事，總是刺激著Adrian Tomine的視神經。你閱讀他的漫畫時，不會熱血沸騰，不會喊苦喊忽，期間情緒好像沒甚麼起伏變化，但他那些看似平凡的對白和靜謚的畫面，卻往往化成一點水滴，落在你心裡那平伏湖面，變成漣漪，擴展，久久不散。在他筆下，每一個都是有所缺失的生命，但生命的基調就是孤獨，最終只有你才能明白、接受你的缺失。
有些人選擇與缺失共活，有些人則選擇在關鍵時刻拖埋老婆走出來公開感情缺失——不要怪他，但不妨笑他。

ROBOCAT 29：有些改變世界的勁人太早死去，有些禍國殃民的撚人卻長命百歲。

2011-10-07T16:17:00.000+08:00

Kasabian《Velociraptor!》

2011-10-06T01:31:00.000+08:00

從來不是Kasabian的死忠樂迷，
但由他們出第一張碟時已經有買，
到了現在，推出第四張大碟《velociraptor!》了，
也不能倖免地買了。
風格方面頗飄忽，
像debut album玩的是迷幻，
之後第二和三張大碟又不再迷。
過去每一次都覺得他們的碟只得一半歌好聽，
但這一次，全碟都很啱聽。

ROBOCAT 28：有目共睹，盛世的妝容。

2011-10-03T18:23:00.000+08:00

島田莊司淚流不止

2011-10-03T02:28:00.000+08:00

據說是吉敷竹史最強的一本。
終於到我手上了。
但近日發現自己對推理小說開始有點「夠皮」。
像早前剛看完的夏樹靜子名作《蒸發》，
竟令我有種「捱」的感覺。
偏偏這一本《淚流不止》又是兩巨冊（同屬兩巨冊的《龍臥亭殺人事件》是我呢世人都揮之不去的夢魘）。
開始有點拗底。

仲有，封面一如以往由皇冠出版的島田小說，好X核突。

ROBOCAT 27：納沙也要為大智若唐造勢

2011-09-30T17:35:00.000+08:00

ROBOCAT 26：如城的戰衣

2011-09-29T17:30:00.001+08:00

給Kurt Cobain的信

2011-09-29T17:20:00.000+08:00

Dear Kurt,
嗱嗱嗱，首先，想跟你以實相告。

1.
我並不是在1991年9月24日那一天便買了《Nevermind》，甚至是，我根本不知道塵世間原來存在著你這麼一個人。那一年，我根本不太聽歌，聽過的歌，可能都是《勁歌金曲》給我聽的。
You know，當時我只是個終日希望「會考」遲一點殺到的平凡中四學生。沒錯，平凡是給大部分人最貼切的形容詞，也是某些存在主義者理論的核心預設。
我只願平凡地在「會考」裡過到骨，原校升續預科，然後入埋大學，再之後，自然是平凡地搵到一份平凡的牛工，支一份平凡的薪水，追到一個平凡的人，結一次平凡的婚，生一個平凡的B，讓我的平凡DNA由他來繼後香燈。
大學三年級的某一天，看見沙田某大型唱片連鎖店(已執了九世)正在做crazy sale，好似是150蚊兩集碟，於是，先選了Suede的《Dog Man Star》(基於當時我追緊的女同學是Suede迷)，另一隻呢？揀來揀去揀唔到，目光偶爾被一個在泳池裡游緊水的BB抓住——記得看雜誌曾看過有關這隻碟的介紹——反正又揀不到另一隻心水，於是，咪買囉！
You know，相對其他知名人士口述中，跟你的歷史性邂逅，我認識你，就是這麼平凡，和實惠。
基於當年聽的多是英倫搖滾，you know la，那陣子正是brit-pop當道，而美式搖滾又總被渲染為鬼殺咁嘈，英國band sound才是王道，平凡的我，自然信晒這些論調，即使明明以實惠價買了你的《Nevermind》，返到屋企，也是丟在一旁。
又到了某一天，忘了在學校遇上甚麼冤屈事了，總之事後就是心情嚴重欠佳，欠佳之餘又有少少憤怒那一種。回到家，唔知點解地，便把《Nevermind》play起來。
聽了一首《Smells Like Teen Spirit》我便把CD機stop。
從此，便迷上了你。

2.
另一個想跟你以實相告的是，《Nevermind》是令我迷上Nirvana的契機，但不是我最愛的Nirvana專輯。我最愛的，是相對起來銷量差得多的《In Utero》。
當然，《Nevermind》是無比好聽的，但就是因為太好聽嘞，好聽得充滿了很多流行的斧鑿之跡(我相信這些斧痕都是由監製Butch Vig落手的)，但因為這樣，也讓《Nevermind》成功征服了流行樂壇，改寫日後不少事……
《In Utero》呈現的才是你最想打造的音樂型態。
因為你，我不再理會甚麼「美式搖滾=鬼殺咁嘈」的偏頗論調，開始去聽美國嘢。因為你，我聽了當日把你們引薦給唱片公司DGC的Sonic Youth，Grunge火紅年代被標籤為跟你們打對台的Pearl Jam，還有你生前相當喜歡的R.E.M.(他們也剛剛宣布解散了)……還有很多很多，不贅。
原來，你的音樂不是從石頭爆出來的。而是，經由很多類型音樂聚合後，蒸餾出來。
我開始明白到一件事。
可能為了方便生存吧，人類總愛設定各種不同的分類，例：「有文化的——冇文化的」、「守規矩——反叛」、「和諧——反動」……慢慢，這些分類演變成分化，用來讓我們判定誰是非我族類，誰是我那圈子的圈外人……
到了現在，我估唔到依然有人單純得把美國搖滾就判定為鬼殺咁嘈，聽英國嘢才是正道——有些人更離譜，只把古典音樂當成唯一的音樂，其他的都是聽不得的殺伐之聲。有一類人則更「勁」，會認為：他看得上眼的才是具價值的——而你又不可以貿貿然喜歡他看得上眼的東西，因為，你冇資格。
我們都在自己信守的圈子裡，自我感覺良好地偽善地過活。同時，仇視圈外的人。
這是你的一個平凡小樂迷——我，所看見到的世界。但，Nevermind啦。

3.
It's better to burn out than to fade away。
你遺書上引了Neil Young《Hey Hey, My My》其中一句。
依然相信，這一句的確拆解了很多平凡人的內心糾結。
我們的平凡一生，就是個keep住fade away的無聊流程，你讀書時拿過幾多A，你為公司做過甚麼，你在仕途中打低過多少人，你欺壓過多少位置比你低的人……都是零意義的。但如果不這樣做？還可以做甚麼？
更悲哀的是：每一天，我原來都在睇住自己冇嘢可以burn out地一直在fade away。
我不會把你的自殺視作一件浪漫事，只看成是你在那一刻對生命的一個選擇，和答案。
Eddie Vedder不相信自殺這回事，因為能夠活著，才是對這個殘酷世界的最佳報復。暫時，我依然叫自己去支持這論調。

ROBOCAT 25：中國的beau~ti~ful巨龍

2011-09-26T17:37:00.000+08:00

ROBOCAT 24

2011-09-23T15:16:00.000+08:00

情迷午夜巴黎嗰朵六月花

2011-09-22T16:47:00.000+08:00

從未去過巴黎，但因為兩個在日常生活扮演得好真的(偽)君子影響，相信直至我入土為安嗰一日，都會憎死巴黎。不過，《情迷午夜巴黎》真的好睇。

沒有遇上Henry & June
已經有勁多專業文化人和品味人士爭住給這齣戲榮光了。我的讚美毋疑顯得太微不足道。
只想說，在Woody Allen還原下的海明威，依然咁聲大大乞我憎；達利，依然是咁有趣，他的老友布紐爾，也帶著一份內斂的睿智。
可能基於現實時間背景考慮，Woody Allen沒有讓戲裡的Owen Wilson遇上亨利．米勒(Henry Miller)。
亨利．米勒，美國人，作家，畫家，上世紀二十年代末始旅居巴黎，在巴黎的日子寫成了傳世名作《北回歸線》(Tropic of Cancer)。
知道這個人，是因為一齣1990年的「情色」電影《Henry & June》。官方中文譯名是《情迷六月花》。
片名裡的Henry，自然是指Henry Miller，June呢，則是Henry第二任老婆June Miller。
電影，根據Anais Nin執筆的回憶錄改篇——Anais Nin又是誰呢？是現實中Henry去到巴黎後才識的一位人妻。據了解，這位人妻不滿足於自己跟banker老公那種既優雅而苦悶的bourgeoisie生活，遇上窮困卻又充滿文學感知性美的Henry後，情感便一發不可收拾……更離奇是，當Henry髮妻June Miller千里迢迢去到巴黎搵老公後，Anais Nin內心也被June深深擊中，然後，還發展了超友誼關係……
這麼一段傳奇的火辣不道德巴黎三角戀故事，終於被Philip Kaufman拍下來，飾演June Miller的，更是當年仲未紅，還處於最芳華絕代時期的Uma Thurman！
看這齣戲時，我連Henry Miller是乜水都不知道，更不知道塵世間原來有一本《北回歸線》，寫下了一位敗德文學家的一場感傷人生巴黎浪蕩故事；只知道，電影海報很吸引，很能挑動我的原慾，於是便租下那張LD——而當年我仲未夠秤的，所以運送回家期間還要keep住提心吊膽。
戲其實不太鹹，但對於當時的我已絕對是一場性的奇觀。

就「書」的一般意義來講，這不是一本書
好幾年後，夠秤了，偶爾在二樓書局找到一本封面很靚的《北回歸線》中譯本。二話不說買了。
不知道是原著問題，還是翻譯那條友的問題，我睇得好辛苦，完全follow唔到(那條根本不知道是否存在的)故事線，於是，唔X理了，一味迫自己讀下去，卻竟然讀出味道來。我甚至會神心到拿起筆，把裡頭一些句子和段落underline，方便不時拎番出來細味(但老實，我絕對不願意由頭到尾成本書再睇一次)。
這是Henry Miller的一本「私小說」。記下來自美洲大陸的他，在巴黎的經歷，對性與愛和世間事的一些X街念頭；他把自己的邪惡和核突和天真統統挖晒出來，攤晒出來任君品嘗，可不是要乞求你的認同，可憐，或其他乜乜物物，只是讓你靜靜的審視一個孤獨者的不安靈魂。
以下節錄的一段不是用來呃字，而是想讓你知道Henry寫這本書的態度：「這一本不算是書，它是對人格的污蔑、誹謗、中傷。就『書』的一般意義來講，這不是一本書。不，這是無休止的褻瀆。是啐在藝術臉上的一口唾沫。是向上帝、人類、命運、時間、愛情、美等一切事物的褲襠裡揣上的一腳。」
Henry Miller從不被認為是甚麼大文豪。1934年，《北回歸線》先在法國出版，卻一直被老家美國視為禁書，直至1961年才解禁。1980年逝世，終年88歲，離世的月份剛好是6月。我愛他，因為愛他夠真誠。

ROBOCAT 23

2011-09-21T19:20:00.000+08:00

ROBOCAT 22

2011-09-20T00:33:00.000+08:00

唐唐是否在倣效王莽？

ROBOCAT 21

2011-09-16T18:17:00.000+08:00

大智若愚喎。黐撚線。

咁恐怖，人生是否值得活下去？

2011-09-15T16:12:00.000+08:00

「只有一個哲學問題是真正嚴肅的，那就是自殺。判斷人生究竟是否值得活下去，就等於答覆了哲學的根本問題。」
玩《Dead Island》的時候，我竟然想起卡繆《薛西弗斯的神話》那經典的開場白。

人生在喪屍的世界是否值得活下去？
上星期的game壇焦點是《Dead Island》。
打從周二開始，已不斷有人在討論區問遊戲有沒有偷步發售？結果一直問到周四，正式發售日，一眾巴打紛紛把在不同game場發現的售價如實報上——由晏晝到黃昏短短幾粒鐘，竟然飆升了百幾二百蚊！升了百幾二百蚊，對一隻遊戲來說是很恐怖的。更恐怖是，大把人照買。
那麼，《Dead Island》是玩甚麼？打喪屍。你入住了一個豪華resort，但喜愛夜蒲的你飲大了，一覺醒來，眼前竟是一個地獄景象：昨夜還穿著bikini的火辣女郎現在依然穿著bikini，只是已變成塊面爛晒的喪屍。你需要做的，就是在這個豪華resort，跟僅存的人類諗計殺出重圍；主線任務外，還要接一些溫情散job，例如某三點式女郎說她走難時忘了把teddy bear帶在身，你便要幫她深入某個滿布喪屍的冇雷公咁遠地方拎番隻熊，交回，然後她便贈你經驗值和金錢……
遊戲以第一身視點進行，所以就像現實中的你，只能望見前方，左右兩方閃出的黑影你根本察覺不來。幸好喪屍曉發出猙獰低沉叫聲，但當你聽見有聲，往往已經被「他們」捉實，活剝生吞。
反高潮是，game的坊間評價跟推出前的全城期待不同，不少巴打都呻中了伏，狠批隻game無聊，不緊湊，有bug，云云。
我未爆機，不便給予分數；只能說，遊戲的確讓我體會到當置身一個滿布喪屍的世界時，那份暴力和悲涼。也叫我想起卡繆那句經典開場白，只是想做些修正：判斷人生（在滿布喪屍的世界）究竟是否值得活下去，就等於答覆了哲學的根本問題。

人生在今日的香港是否值得活下去？
我從來沒考究自小愛上任何喪屍題材作品的原因。或許，是基於旁觀他人的痛苦時，坐擁的那一份安全感吧。
所以，假設現實世界真的變成一個喪屍掌權的絕望國度，最安全的做法，就是成為喪屍這個majority的一分子。最暴力的，是對抗，而且我們都知道，要擊斃喪屍的不成文規定最有效方法，是hit the head。行使這種暴力，冇人會怪你，冇人會基於人道立場向你說教，教你不要咁殘忍地處置喪屍，因為喪屍曾經都係人啊……
為生存，暴力被合理化。暴力也不再是甚麼彰顯權力的途徑（脆弱的人類有可能管得掂喪屍嗎？），手段也變得單一，純粹肢體性——你冇可能用道理勸得掂正要撲過來咬你的喪屍收口吧？
最悲涼的，自然是自殺。放棄世界算了。
現在街上明明沒有喪屍，但暴力已經被單一化處理，但凡涉及過分肢體動作的，well，就是好暴力的了——OK，這是暴力，卻是形而下的暴力。
最形而上的暴力，依然是最傳統那一種：彰顯權力、由上而下的暴力。現實例子不贅了。總之，當一班人（自以為）合理和合法地把他們那一套，夾硬地要另一班人遵從時，已．經．是．暴．力。只是，過程裡你絕不會看見出現任何肢體動作和毆打叉頸，因為君子動口不動手，偽君子呢，更加只會得把口。
明明沒有喪屍，已經叫人絕望。以前讀書時感受不到的那種卡繆式荒謬，終於體悟到了。
最後，把卡繆那幾句再修正一下：只有一個哲學問題是真正嚴肅的，那就是自殺。判斷人生（在今日的香港）究竟是否值得活下去，就等於答覆了哲學的根本問題。
對以上問題，暫時答不來。但對於「判斷人生在范太和家臣輝keep住狂挺『大智若唐』時究竟是否值得大聲爆句粗」，我的答案，是相當肯定的。

ROBOCAT 20

2011-09-15T16:08:00.001+08:00

ROBOCAT 19

2011-09-12T16:18:00.000+08:00

鬼打鬼。

ROBOCAT 18

2011-09-09T17:17:00.000+08:00

無能但又掌權的人的辯證思維。

RHCP《I'm With You》

2011-09-09T14:17:00.000+08:00

即使換了結他手，但我覺得影響不大。
入手後，每日都在聽，每日都要聽番五、六次先心息。
一踏出家門便聽，搭車又聽，開工都聽，放工又繼續聽，聽到返屋企爆石為止。
因為，處於爆石狀態的我不能聽歌，一聽，便往往爆不出來。
而且是由頭到尾聽那一種，不是齋聽某幾首。
嚴格來說，全碟推薦。
對比起來，我總嫌上一張有點overproduced的感覺。
這應該是我心目其中一張album of the year。
不過，這又可能跟現在的我已經好少聽新碟有關。

嚇死，這才是真正的黑影啊

2011-09-08T15:36:00.000+08:00

當看見某些專業影評人被問到有甚麼鬼片推介而例必拋出《閃靈》時，我就會好嬲怒。
不是《閃靈》有甚麼問題，而是：各位專業影評人，講吓第二套得唔得先？

《午夜靈異錄像》搞手監製？我好驚。
跟我一樣愛煞恐怖片核突片的友人強烈推介一套戲：《Insidious》。原因是，睇到佢好驚。
翻查資料，監製一欄的名字竟然是《午夜靈異錄像》（Paranormal Activity）的搞手Oren Peli。對於《午夜靈異錄像》我無話可說；如果真的要我說，只能說這是千禧過後其中一宗大型跨國集體騙案。偏偏，我就是其中一個羊牯。
巧合是，《Insidious》的setting竟然又是一間屋！
但再看，導演是James Wan，編劇是Leigh Whannell，信心，又登時返番嚟。這兩位，就是千禧過後其中一個最成功電影系列《恐懼鬥室》的始創人。2003年，澳洲。馬來西亞裔的James跟戰友Leigh拍了一齣短片《Saw》，寄到荷里活去——費事得個「講」字，直情用短片直接闡述他們那個《恐懼鬥室》的concept。結果，在他們飛去美國途中，電影公司已經決定開拍了。之後的故事發展大家都知道吧，超低成本的《恐懼鬥室》大收令電影公司和他們兩位賺到喊，然後一直拍落去，由2D拍到3D，也由心理恐懼層面拍到肢體切割血宴，但James和Leigh在之後咁多集都只是掛個監製名，冇再落手落腳。
其後James拍過《Dead Silence》和《Death Sentence》，我只睇過前者，一齣拿木偶公仔來玩的恐怖片，OK的。但就是不像《恐懼鬥室》般能為我所帶來核爆級觀感囉。

以下進入真人真事部分。
某夜凌晨3點。全屋的燈都已被我關掉。唯一的光，來自電視機畫面。
懶勁的我不信邪，就是要特登揀個夜闌人靜時間，挑戰這齣把友人徹底擊潰的《Insidious》！那種玩命的情況，就好像專登在午夜12點對住塊鏡切蘋果然後再順手玩埋碟仙咁。
10分鐘過去。X，不就是另一齣已被拍到爛的鬼片吧，肯定又係講間屋有「哪渣嘢」然後上了細路身諸如此類啦……
30分鐘過後。X，有啲唔對路。我那顆懶勁的心似乎有鬆懈跡象。有一剎，我甚至想去開番盞燈，但又唔俾自己咁做！因為，腦裡突然閃起那位明代儒學家劉宗周的「慎獨」觀念，說人即使得番自己一個都需要注意言行舉止，因為你的良心依然在監視著你自己——我想必被嚇到有點癲了，大佬，劉生所講的根本同當時情況無關 ……
1粒鐘過後。Well，我已經開番廚房和廁所的燈了。戲也進入高潮部分。
1粒半鐘後，完場。全屋的燈都已完美地被開晒了，而我也紓了一口氣——Yeah！真的有好長時間沒有再被鬼片嚇倒了！那一種再被嚇倒的空前滿足，實在都唔知怎樣形容好了。
後來，我先知道，原來這齣《Insidious》將會在香港上映，片名是：兒凶。我只能說，這個片名改得來毋疑太過就手。反而英文原裝片名《Insidious》，其實真的道明了故事的恐懼本質，如果硬要譯……《潛行狙擊》其實OK貼題的。
（補充：那一夜，我單拖看過的《Insidious》，不是BT回來，是影碟來的。）

被不被嚇這回事，很視乎個人體質。
最後，《Insidious》應該不會像《Saw》，成為另一個電影系列。它的特別，在於用了一個比較少人用的角度，去解釋「撞邪」這回事——而有人撞邪了，自然需要驅邪，方法也不再是《驅魔人》那套讀聖經淋聖水的舊方法，而是比較modern和型的。到了電影尾聲，也一如《恐懼鬥室》般，突然來一嘢回馬槍，真正的大鑊嘢原來剛剛才要發生，但一切已經無可挽救，因為戲已終。
再最後，有長期打機習慣的我發現到一點——James和Leigh應該在創作過程中參考過《Silent Hill》。如果你也玩過這隻game，同時又睇埋套戲，應該不難發現。
真的最後了。如果你連睇《午夜靈異錄像》（這麼廢的rubbish）都驚，又或在光天白日下經常見到黑影在身邊閃過——千萬，千萬不要睇好了。
（錯字已改正）

ROBOCAT 17

2011-09-07T17:14:00.000+08:00

極權者向群眾說：「極權只是你們內心的黑影。」
群眾向極權者說：「屌你啦。」

ROBOCAT 16

2011-09-06T17:15:00.001+08:00

ROBOCAT 15

2011-09-02T16:14:00.000+08:00

說說林欣彤這個Vocalist

2011-09-01T15:52:00.000+08:00

因為八卦，舊年年底黐埋同事一齊去訪問林欣彤。訪問前三日，其實仲未知道林欣彤是誰。

唔知點解就是想同佢影合照
唔知，是因為我根本冇睇過《超級巨聲》。我從來都不喜歡看那些太多人喊苦喊忽的節目，也不喜歡同一個節目內聚集了太多懶pro的人。但我還是黐埋同事一齊去見林欣彤。仲影埋合照添。而最奇的還是見周秀娜時我居然好冷靜地冇要求合照。
那個午後，在我眼前的，是一個很喜歡唱歌而亦得嘗所願成為了歌手的平凡女孩——即使她當時連半首屬於自己的歌都冇。
事前經過同事替我惡補，加上當事人現身說法，總算大概知道了林欣彤是個怎麼樣的女孩，喜愛哪些歌手和歌唱風格，她在《巨聲》時的必殺技又是甚麼……
直至plug了《洗澡》這首歌。Well，這是我認識的林欣彤來嗎？

逐首講吓
我曾經在心底裡承諾自己，若林欣彤他日真的出了碟一定會買。所以，咪買咗囉。
反反覆覆好認真地聽了五、六次後，對每一首歌我都有點話想說。嗱，先旨聲明，唔多pro的。
1.《友情演出》：Sell友情，找來《巨聲》一班參賽者合唱，感覺，卻更似是一齊被找來襯托最後勝利者林欣彤。Solo部分一概由林欣彤孭飛。
2.《平凡．明星》：點聽，這都應該是原本留給容祖兒的歌吧。
3.《可愛的人方可愛》：這是當我把成隻碟聽了一遍後，印象最深的一首。可能是原曲《最近的你》我OK鍾意吧。
4.《我們不是公主》：只覺得這是副歌較激昂的一首。
5.《洗澡》：經過TVB落力催谷這首歌後，我終於認得是林欣彤把聲了，也識得跟住唱了，多X謝……對比專輯內其他歌，是林欣彤最用力去唱出聲線高低起伏的歌。如果要在碟內選出一首最「林欣彤」的歌，OK，咪呢首囉。
6.《鳥籠》：另一首很用力去唱的歌。一般來說，我絕少在頭幾次聽一首歌時便去留意歌詞（就當作是我的缺憾吧），所以當其他人說《洗澡》歌詞古怪時我真的零感覺，但這首《鳥籠》卻引起我的注意。「鳥籠」這一個對艱險世途的比喻，很……令我記起曾經在唱片封套用鳥籠笠住自己個頭的譚小環。
7.《一人旅行團》：人夾人，歌也夾人，向來偏愛這種輕快Pop Rock，只是不認為它適合林欣彤。盧凱彤可能啱數啲。
8.《Take Me Through》：唯一以英文入詞的歌。曲普通，但林欣彤唱英文就是比大部分歌手來得正路。
9.《非凡》：倫永亮大師+林夕大師的作品。90年代最上乘最標準的廣東流行曲示範作，連林欣彤的唱腔都tune到好鬼90年代。在2011年仍能聽到，實在是個極度難得的聆聽經驗啊……
10：《非同兒戲》：聽完《非凡》再聽《非同兒戲》，歌與歌之間，時間便往前衝了20年！英皇盛世年代的廣東K歌stereotype，這應該是另一首很有機會爆出的林欣彤金曲。
11：乾燥花：《洗澡》國語版而已。

林欣彤是甚麼？
林欣彤的首張碟是album而不是甚麼垃圾ep，是有誠意的表現。
10首歌風格取向迴異，明擺是在替林欣彤的未來走向投石問路。
只能說的是，請不要貿貿然把林欣彤投放在廣東歌那行之既久的主旋律中。
林欣彤是甚麼？我不pro我不會知道，那班懶pro的人也不一定會知（卻偏偏扮知）。那麼，就請讓林欣彤本人發聲吧。

ROBOCAT 14

2011-08-31T14:15:00.000+08:00

ROBOCAT 13

2011-08-29T14:32:00.001+08:00

ROBOCAT 12

2011-08-26T17:15:00.000+08:00

聽《Nevermind》前和聽《Nevermind》後

2011-08-25T17:27:00.000+08:00

Nirvana的《Nevermind》話咁快就慶祝面世20周年了。但有關這張專輯的經典和意義，已經在這二十年間被全世界覆述過二十萬次了。所以，不贅了。

現實在咬，所以懶
1994年，同學在他的知行樓宿舍房門貼了一張Winona Ryder海報。
海報上的她靚到，令我這個year 1學生即時神為之奪。同學說，海報上的Winona Ryder靚樣出自《Reality Bites》這套戲，但又補了句：「套戲好普通，而且咪睇佢好似好清純，戲入面佢好鬼放蕩，成日同人搞。」
Well，同學這一句，反而助燃了我想睇的欲望。
噢，原來是青春片，而且是四個大學畢業生出來社會工作後的經歷。同學所形容的「Winona Ryder式放蕩」，其實不過是先後交上兩名男主角Ben Stiller和Ethan Hawke，所謂「搞」，統統是用暗場交代。
看後，只覺得虛無，一來Winona Ryder的表現滿足不了我，二來Ethan Hawke這條友也實在太過懶型了，成日捧住本海德格《存在與時間》，而更大問題是：他好X懶。
我不喜歡這種懶，也不明白這種懶。還有，《Reality Bites》在香港的官方中文片名是：不朽真情。
完全錯晒。《Reality Bites》根本不是在歌頌甚麼不朽的真情。當年還後生的Ben Stiller想拍的有可能是：在個那物質富庶的90年代初為何會偏偏養出Ethan Hawke這一類懶人。
那年還不認識甚麼Slacker和Generation X這些專有名詞——即使我明明有修美國史，但可能它們太新，仲未成史，所以lecturer冇教。對於這類懶人的最最簡單直接解釋是：這群生於1965至1979年的美國人，在那個物質富庶（但其實開始不景氣）的年頭，坐擁高學歷，但找不到甚麼好工（而一些掌握權力的高薪厚職又俾班老嘢長期霸住）；偏偏社會和政治上也沒有甚麼重大事件，讓他們拋個身出來投入和參與……於是，部分識得諗的青年便認為：既然現實就是咁虛無地無可作為，打乜工都無關宏旨了；與其搏嚟唔知為乜，不如做條積極的懶蟲好過。因為懶，他們也沒有能力藉著物質買來享受和滿足。
當然，Ben Stiller只是拿取了這個時代背景來作為電影背景，《Reality Bites》到最後，不過是另一齣不太動人（兼沒有Winona Ryder突破性演出）的糖衣式愛情片而已。但，OK啦。
Richard Linklater比Ben Stiller更義無反顧。他的《Slacker》，沒有主角，只是順著時序和場景交代了一個個二十出頭青年的所在所為和所想——其實基本上都冇乜特別作為。基於《Slacker》不是甚麼有娛樂性的片，零動作，多對白，仲幾悶，我不會立亂推介你們去看，但那種悶如果你抵受得了，或會感受到隱藏在「悶」背後的那一股，龐大無力感。
誰是Richard Linklater？就是那個拍了《日出前讓戀愛終結》（Before Sunrise）的人。《日出前讓戀愛終結》的男主角，咁啱就是Ethan Hawke。

即使無力，都要嗌
以前讀思想史明白到，一個思潮總是跟時代需求有著極密切關係。但當思潮變成人人都講得兩嘴的順口溜時，就代表著一切已在變質。流行文化也是這麼一回事。
我唔敢話《Nevermind》如果不是出現在1991年就不會成功——但應該成功得冇咁空前。因為Kurt Cobain的歌詞，就是在書寫那個年代，青年的共同情緒；而用嗌的方式唱出來，聽落好似好勁，聽真啲原來好無力。
《Nevermind》推出20周年限量紀念版，擺到明就是一個商業行為。如果年青的你從未聽過《Nevermind》又或根本不知道Kurt Cobain是誰，只是因看了某本潮流雜誌介紹而想去聽吓，好讓自己型吓，OK的；如果聽完了型完了，發覺自己都算OK鍾意喎，不妨找回那些年的一點背景資料去看，信我，你會聽到更多。
也會發現20年後的今天，年表的你原來活得更加無力，但你絕不能never mind。

ROBOCAT 11

2011-08-24T16:46:00.000+08:00

ROBOCAT 10

2011-08-24T16:45:00.000+08:00

一個人文動畫大師，一個不稱職的爸爸

2011-08-23T21:03:00.000+08:00

黑澤明咁講過。上世紀80年代打後日本電影業逐步走向衰亡，是因為大部分創作人才都走晒去畫漫畫。事實是，80年代開始，日本漫畫界真的出產了不少影響力遍及亞洲和歐美的經典作品。
但黑澤明講漏了的是：同一時間很多人才也走了去搞動畫。
不是卡通。「卡通」（Cartoon）是一個美國概念，日本搞的是「動畫」（Animation）。其中一個幾乎把所有人生奉獻給動畫的，便是宮崎駿。這個大概是最為香港熟識的日本動畫人，70歲了。

動畫！動畫！
宮崎駿最初想做的是漫畫家。
1941年1月5日生於東京的宮崎駿，童年過得很平淡，自小便是孱仔一名，不擅長運動（但他創作的很多動畫人物都是身手超級矯健的），興趣是繪畫和看書。
一如大部分那個年頭的小漫畫迷，宮崎駿最愛的漫畫家是手塚治虫。即使宮崎駿筆下的人物面相已經自成一個「體系」，但也可以發現，基本上是由手塚式人物演變過來的。
令宮崎駿留意到動畫這回事，是1958年的一齣東映動畫《白蛇傳》，這也是日本史上首部彩色動畫長片。他看到一種超越了漫畫由格去格所產生的美與動感。
大學畢業後，宮崎駿立即走到東映動畫公司工作，職位是動畫師，那是1963年4月的事。工作了不久，他已立定志向要以動畫作為一生的事業。1971年，他離開了東映加入了A-Pro，當時跟他一起過檔的還有日後一起打江山的高畑勳。過檔後最著名的作品是「世界名著系列」，改編兒童文學的動畫，當中便包括《萬里尋親記》和（我最喜愛宮崎駿電視動畫作品No.2的）《飄零燕》。
No.1呢，自然是《高立的未來世界》。這齣在1978年播映、由宮崎駿首次擔任導演的作品，令他一躍成為最有前途的動畫界新星，也讓他得到擔任電影長篇動畫《魯邦三世》導演的機會。計番條數，他其實已經入了行整整15年。
80年代，是宮崎駿的年代。1982年他開始在德間書店發行的《Animage》雜誌連載《風之谷》，1985年成立「吉卜力工作室」，1986年發表了相信每一個三字頭朋友都應該有睇過的《天空之城》（除非閣下家長誤認為動畫都是會教壞細路的）。
然後，《龍貓》、《魔女宅急便》、《飛天紅豬俠》、《幽靈公主》，期間「退休」了四年，然後又回到動畫崗位，製作了《千與千尋》、《哈爾移動城堡》、《崖上的波兒》……

「宮崎駿」元素
1.風之谷
1984年的動畫電影《風之谷》，確立了日後宮崎駿所有作品的命題：反戰、反過度科技發展，以及愛護自然。
在《風之谷》，我們看到一個悲觀的未來景象：因人類文明過度發展和欲望的過度膨漲，對自然產生了畸形的變異，海洋變成了腐蝕性的硫酸，但人類還在掛住你打我我打你。
相對日後明顯較兒童向的作品，《風之谷》即使在結局透露了一份希望，但基本調子還是悲觀的。成長於昭和年代的宮崎駿，目睹日本在戰後，怎樣由戰敗國發展成經濟大國，怎樣在過程中為了追求經濟發展，而對自然和文明作出破壞和改造，而這都是他不願見到。發展是應該有其限度的。
但宮崎駿不像大友克洋。大友克洋面對過度發展文明的處理手法，就是破壞（《阿基拉》如是，即使日後改編手塚治虫的《大都會》也如是），先讓一切歸於零，然後才去想重建；宮崎駿則是對現有的嘗試進行改變，比較溫和。
宮崎駿日後的作品，調子普遍都不再像《風之谷》般悲觀了，也改以兒童作為主角（《飛天紅豬俠》是例外）。目的可能是：與其以重口味警醒未必聽教的成年人，不如從作為未來社會棟樑的兒童入手。

2.愛與勇氣
我已經是大人了，講真，未必再受宮崎駿近年那一套，但《天空之城》卻是每看一次依然會感動一次。
《天空之城》的原型大抵可追塑至《高立的未來世界》。同樣以小朋友的視點描寫，以微小之力去對抗一個由大人組成的殘酷世界，分別是《高立的未來世界》背景是一個空想未來，《天空之城》則是歐洲工業革命、被歷史認為象徵著世界人文發展的一個黃金年代。
兩齣作品裡頭的兒童主角，都是成長在低下層，不是時代的既得利益者，卻依然不怕在由成人組成的世界裡對抗，找回自己相信的價值。對抗的憑藉，是愛與勇氣——他們沒有受到父母的溺愛，自小已培養了一份獨立的心。我不知道讓現在那些經由怪獸家長「培植」出來的小學雞去看《天空之城》，會有甚麼感覺（或許家長會嫌裡頭的主角實在太過跳跳紮冇時停了，生怕自家的小朋友有樣學樣而跌親……），但對曾幾何時的一代來說，卻是一次直指小小心靈的感動觀影體驗——原來細路是可以這麼有型的！
可惜，那個年頭的「社會棟樑」大部分不是被社會現實打壓成一具具喪失了愛與勇氣的返工機器，就是成為了怪獸家長。
簡單說，就是被扭曲成信奉主流價值的忠實信徒。

3.了解自然
宮崎駿重視自然，不是停留在勸人唔好亂丟垃圾及用少啲膠袋的層次。
我們會做出傷害自然的動作，是因為我們活在布滿屏風樓的都市，唯一可見的自然可能就是屋企樓下嗰個住客會所隔離的小公園。我們變得不明白自然，也不了解自然原來也是一個神秘的生命體。
《龍貓》和《崖上的波兒》描述的，是個兒童由不了解到了解神秘自然的歷程。
兩組故事同樣發生在遠離都市的鄉郊小鎮。因為只有身處真正的自然，才能看到真正的自然。
所以，南生圍就是南生圍，不用大人們費神去建甚麼保育主題公園。

4.脫離地心吸力吧！
《風之谷》和《天空之城》的一個迷人處，來自內裡那些古典得來又很未來的飛行機器。我記得，當年也跪求過媽咪買相關的模型給我。
宮崎駿自小便迷戀飛行機器，嚴格來說，他是迷戀「飛行」這個舉動。因為他相信，只有脫離了地心吸力，人類才會自由，而因為地心吸力整日在吸住吸住，讓終身都被吸住的人類不斷在原地踏步。
但宮崎駿筆下的飛行機器，都不是那些科幻電影常見的流線型設計，反而是鈍鈍的，用鋼鐵製造，有著一種歐洲工業革命時期的古舊味道，一份使用蒸氣機、或借風力來發動的古老感覺（他的機械設計，也明顯受到法國漫畫家Moebius的影響）。
80年代推出了幾套受歡迎的動畫電影後，1992年的《飛天紅豬俠》，是宮崎駿的一次夫子自道。
上世紀20年代的意大利，一個本來靚仔的傳奇飛機師卻變成以豬頭示人，在天空馳騁，而且還是一個跟當時國家主旋律背道而馳的反法西主義分子。當時看的時候仲細，只覺得不及之前的《天空之城》和《龍貓》好睇，後來人大了，再看，反而鍾意。
這也是宮崎駿最浪漫的一次。

5.(Don't) Teach Your Children
不是不教，而是不要強將成年人的價值，植入兒童的心。
他相信，兒童在成長過程裡自會找到屬於自己的一套價值。
現在經由怪獸家長培育出來的，最終只會成為《千與千尋》裡那個「巨嬰」，受盡保護，明明好大個卻依然是BB。
還記得《崖上的波兒》的結局嗎？冇錯，就是發生了海嘯。而因為「311」海嘯，所以日本的電視台實行無限期禁播《崖上的波兒》。這個決定可能是一次政治正確的正確示範，而政治正確，就是大人才會有的「成熟作風」。

宮崎吾朗
宮崎吾朗是宮崎駿長子，今年都已經44歲了。
他曾說，作為動畫導演的宮崎駿，值100分，但作為爸爸，只得0分。
2006年，宮崎吾朗首次執導動畫電影《地海戰記》，但宮崎駿正忙於其他事，沒有參與。到了首映，宮崎駿更在放映途中離場（雖然後來又返番現場）。
宮崎駿在作品中著力表達對兒童的關愛，偏偏在現實中，在兒子眼裡卻不是個稱職的父親。
宮崎駿跟兒子宮崎吾朗的不融洽關係，已是個日本動畫界的公開秘密，宮崎駿也說過，他從來都不希望建立甚麼動畫王國，再由兒子去繼承。他希望兒子可以找到自己真正想找的。
但觀乎宮崎吾朗的《地海戰記》，基本上沒有人會不認為不是宮崎駿的作品吧。
2011年吉卜力工作室的新作《コクリコ坂から》，一個發生於1963年橫濱的少女故事，便是由宮崎吾朗擔任導演，宮崎駿撰寫劇本。
父子關係搞不好，也可以在動畫創作上做夥伴。

On The Road

2011-08-19T18:26:00.000+08:00

上圖，是02年臨上去大峽谷前，成車人（都是記者）落車休息時拍下的。

ROBOCAT 9

2011-08-19T16:55:00.000+08:00

長風破浪會有時，直掛雲帆濟滄海。

ROBOCAT 8

2011-08-19T16:53:00.000+08:00

ROBOCAT 7

2011-08-19T16:51:00.001+08:00

ROBOCAT 6

2011-08-19T16:50:00.001+08:00

月巴氏

月巴的她 張開了Heart